Archivo de la etiqueta: música 1900

1900-1909

MA RAINEY

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Ma Rainey (1904-1939)

VOZ
GÉNERO: Blues
PAÍS DE ORIGEN: Estados Unidos
SELLO DISCOGRÁFICO: Paramount Records

HISTORIA: Nacida como Gertrude Pridgett el 26 de abril de 1886, en Columbus, Georgia, hija de unos actores de una compañía de teatro Thomas Pridgett y Ella Allen-Pridgett. Rainey empezó trabajando en la Ópera de Springer en 1900 como cantante y bailarina en el programa de talentos locales. El 2 de febrero de 1904, se casó con William «Pa» Rainey. Pronto formaron pareja de escenario recorriendo el sur del país como «Ma» y «Pa» Rainey. En estos viajes fue donde «Ma» empezó a tomar contacto con el blues, y en 1905 lo metieron en su repertorio.

Su capacidad para captar el estado de ánimo y la esencia de la vida rural de los afroamericanos del sur del país hizo que rápidamente tuviera una multitud de seguidores en todo el Sur. En 1912, cuando ya llevaba varios años sobre las tablas, los Rainey introdujeron a una nueva bailarina, Bessie Smith que llegaría a ser una grandísima cantante de blues. En 1916 se separó de William y creó su propia banda con la que pronto se fue de gira. Durante los siguientes años estuvo con varias bandas trabajando.

Rainey comenzó su andadura con las grabaciones con la Paramount en 1923 (Tres años después de la primera grabación de blues por Mamie Smith). Siendo ya una cantante de teatro famosa en el sur, Rainey entró en la industria de la grabación como un talento con experiencia y estilísticamente madura. Su primera sesión, se editó en Austin y contó con su tema más famoso «Bo-Gorgojo Blues». Ese mismo año también lanzó «Moonshine Blues» con Lovie Austin y «Yonder Comes the Blues» con Louis Armstrong . Durante el resto de la década de 1920, «Ma» se hizo famosa y rica por sus continuas actuaciones y sus grabaciones con diferentes artistas y bandas. Hasta que empezó la década de los 30 y con la Gran Depresión las actuaciones bajaron.

Tras la muerte de su madre y su hermana, Rainey se retiró del negocio de la música en 1935 y se estableció en Columbia. Los siguientes años se dedicó a su etapa de empresaria cuidando los intereses de sus teatros «The Lyric» y «Airdome», así como las actividades de la Iglesia Bautista de la Amistad. Rainey murió en Rome, Georgia, el 22 de diciembre de 1939 por un ataque al corazón. Siempre se la recordará como la primera artista que convirtió el blues rural en canción popular poniendo en moda este género musical durante las tres primeras décadas del siglo 20, en las que fue creciendo en fama y dinero.
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• LISTA DE REPRODUCCIÓN 1

• LISTA DE REPRODUCCIÓN 3

• Slave To the Blues

• Slow Driving Moan

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ANÉCDOTAS:

• Ma Rainey, fue muy bien apodada como «Madre del Blues», no sólo por ser la primera mujer cantante de Blues si no porque también fue la madre, artísticamente hablando, de la grandísima Bessie Smith, una de las mejores del género y que hoy en día se la recuerda por encima de Rainey. Y es que «Ma» estuvo en sus primeros años ya que trabajaron juntas cuando ésta era una adolescente, y aunque no fue su instructora sí parece que hizo las veces de madre en la compañía.

• En el año 2015, la cadena HBO realizó «Bessie», película que narra la vida de Bessie Smith, la llamada «Emperatriz del Blues». En esta película también aparece Ma Rainey interpretada por la actriz Mo’Nique.  Queen Latifah se metió en la piel de Bessie.

• La música de Rainey ha servido de inspiración para poetas afroamericanos como Langston Hughes y Sterling Brown, este último la rindió homenaje con el poema «Ma Rainey». Alice Walker se basó en su música como modelo cultural de la condición de la mujer afroamericana cuando escribió la novela, ganadora del Premio Pulitzer, «El color púrpura».

• A diferencia de muchos otros músicos de blues, Rainey ganó una reputación como buena profesional en el escenario como en los negocios. Esto era debido a todo el trabajo realizado con la Paramount. Así se la podía ver en el escenario enfundada en vestidos largos y cubierta de diamantes y oro. Rainey sabía como utilizar al público y siempre que salía al escenario generaba un gran fervor entre ellos.

• Ver documental dedicado a su vida en inglés.

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JELLY ROLL MORTON

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Jelly Roll Morton (1902-1941)

PIANO, VOZ
GÉNERO: Jazz
PAÍS DE ORIGEN: Estados Unidos
SELLO DISCOGRÁFICO: The Victor Talking Machine Company

HISTORIA: Morton nació en una familia criolla de la ciudad de Nueva Orleans, Louisiana. Las fuentes difieren en cuanto a su fecha de nacimiento, van desde septiembre de 1884 a octubre de 1889, aunque él y sus hermanas siempre dijeron que fue el 20 de septiembre de 1885. Su nombre real, Ferdinad Joseph LaMenthe, lo cambio al separarse sus padres para utilizar el nombre de su padrastro, Mouton, aunque lo anglicanizó a Morton.

Desde temprana edad empezó a tocar el piano y ya a los 14 años encontró su primer trabajo tocando en un burdel, por entonces vivía con su beata abuela que cuando se enteró de donde trabajaba le echo de casa al pensar que había deshonrado a la familia.

En 1904 ya empezando a ser conocido empezó a tocar por todo el sur de los Estados Unidos, en esta temporada es cuando compuso sus mejores obras. a partir de 1910 probó suerte en el norte del país y después de tocar en Nueva York se estableció en Chicago con su novia Rosa Brown, aquí tuvo la oportunidad de grabar su «Jerry Roll Blues» que se convertiría en la primera composición de jazz publicada.

En 1917 se trasladó a California acompañado por su amigo el director de orquesta William Manuel Johnson, y la suerte le volvió a sonreír ya que su tango «The Crave» causo furor en Hollywood.

En 1923 vuelve a Chicago para reivindicar la autoría de su obra «The Wolverines» y en 1926 montó la banda de jazz Jelly Roll Morton & His Red Hot Peppers y consiguió un contrato con la discográfica más importante del país, The Victor Talking Machine Company.

En 1928 Morton se casa con la bailarina Mabel Bertrand en Nueva York donde se trasladaría a vivir. Siguió grabando para Victor solo, con el grupo y otras veces acompañado de otros artistas, aunque le cuesta encontrar acompañantes que puedan seguir su estilo musical. Con la Gran Depresión empezó a haber una bajada importante en la Industria y en 1931 Victor no volvió a renovarle. En esta época se gano la vida como buenamente pudo, tocando en bares de Nueva York, apareciendo en un programa de radio, de gira con espectáculos «burlesque» con el grupo.

En 1935 deja la banda y se vuelve a mudar, es a vez su destino será Washington, donde le ofrecen ser el encargado del piano en el bar «Music Box», aunque también desempeñó diferentes funciones desde barman a maestro de ceremonias. Durante los años que estuvo trabajando en el bar Morton conoció a Alan Lomax, musicólogo que trabajaba para la Biblioteca del Congreso. Intresado en Morton le propuso grabar una serie de entrevistas y lo que en un principio sería una corta grabación acabó durando bastantes horas donde se le puede escuchar hablando y tocando el piano. Estas grabaciones han ayudado a situar al pianista en el Olimpo del jazz y en 2005 cuando liberaron las grabaciones éstas consiguieron dos premios Grammy.

Ya en 1938 un amigo del dueño del «music Box» le apuñala y le hiere en cabeza y pecho. Cuando es llevado al hospital más cercano no le atienden al ser un hospital de blancos (por entonces la ciudad tenía instalaciones de segregación racial), así que tienen que ir a uno para negros que estaba bastante más lejos lo que supone un incremento en la gravedad de éstas, ya que irá recayendo los siguientes años hasta su muerte. Después de este incidente su mujer, Mabel, le exige que se vayan de la ciudad.

De nuevo en Nueva York, vuelve a hacer una serie de grabaciones comerciales con temas que narran sus primeros años. Poco después las secuelas del apuñalamiento le mandan al hospital por falta de aire, para recuperarse necesita estar durante 3 meses en el hospital.

Cuando se recupera viaja a los Ángeles con nuevas composiciones y con la intención de montar una banda, pero de nuevo recae de sus heridas y es ingresado en un hospital de la ciudad. El 10 de julio de 1941 Jerry Roll Morton muere pocos días después de su ingreso.

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– Discografía completa:

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• Discografía completa.mp3

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ANECDOTAS:

• Su apodo de Jelly Roll le viene de cuando empezó a tocar en los burdeles. El apodo es jerga negra y hace referencia a los genitales femeninos, ya que en sus letras ,siempre en tono picante, hacía un uso  frecuentemente de esta expresión.

• A principios de los años 20 es contratado para tocar en un club de Vancouver llamada «The Patricia», de este periodo se dice que fueron los años más alocados de Morton, al parecer tuvo unos años caóticos donde le dio por jugar a las cartas, tirarse a la bebida y, según el historiador de jazz Mark Miller, hasta llegó a hacerse proxeneta.

• Uno de los acuerdos que llegó a tener con el dueño del «Music Box» fue que los amigos de Morton podrían entrar gratis y ser invitados a las consumiciones, por lo que el bar tuvo siempre un agujero en su caja debido a esto. Así no parece tan extraño que un amigo del dueño le atacara.

• Una de las épocas que más interesó a Lomax de Morton fueron sus años durante los que tocó en los lupanares de Nueva Orleans sus canciones más obscenas. En un principio sólo quería tomar notas pero presionado por el propio Morton finalmente las grabó. Debido a que eran bastante picantes hasta el año 2005 la Biblioteca del Congreso no las liberó.
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FRANCISCO TÁRREGA

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Francisco Tárrega (1874-1909)

GUITARRA
GÉNERO: Clásico
PAÍS DE ORIGEN: España
SELLO DISCOGRÁFICO: -

 

HISTORIA: Nació en Villarreal, el 21 de noviembre de 1852. Francisco de Asís Tárrega Eixea fue un compositor y uno de los más grandes guitarristas españoles.

A temprana edad un accidente marcó su infancia al quedar su vista dañada. Con el temor de que quedara ciego su padre le llevó a Castellón para que asistiera a clases de música y pudiera ganarse la vida como guitarrista.

De Castellón se fué a Madrid donde entró en su Conservatorio en 1874. Allí estudió composición con Emilio Arrieta, un famoso compositor de zarzuela de la época. A finales de esta decada comenzo a impartir clases de guitarra, algunos de sus añlumnos más destacados fueron Emilio Pujol y Miguel Llobet, compaginaba la docencia dando conciertos con frecuencia. Por entonces se le valoraba tanto que fue llamado «El Sarasate de la guitarra» (Pablo Sarasate fue un gran virtuoso del violín).

Viajo mucho haciendo giras por España y Francia, algunas de sus destinos fueron: Perpiñán, Niza, Lyon, Cádiz, Mallorca, París, Valencia… En Novelda (Alicante) durante una gira se cruzó con María Rizo la que sería su esposa. En París conoció a los personajes más importantes del ultimo cuarto de siglo XIX. Llegó a tener tanto éxito que fue invitado para tocar para la reina Isabel II de España.

En Valencia conoció a Conxa Martínez, rica viuda que hizo las veces de mecenas y le ofreció una casa en Barcelona, donde se  instaló en 1885 y murió el 15 de diciembre de 1909. Allí compuso la mayor parte de sus obras.
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LISTA DE REPRODUCCIÓN (Interpretada por Maurizio Oddone):

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• Lista de reproducción

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ANÉCDOTAS:

• Se dice que Tárrega fue uno de los artífices del trémolo, conocida técnica de guitarra clásica que implica el uso del pulgar para tocar notas graves concurrentes y/o seguidas de la repetición rápida de una nota más aguda tocada con dos o tres dedos. Esta técnica la utilizo con gran maestría en su famosa pieza «Recuerdos de la Alhambra».

• Aunque muchas de sus obras fueron compuestas en Barcelona se inspiró en un viaje por Granada para escribir el trémolo «Recuerdos de la Alhambra», y en Argelia le llegó las musas para componer «Danza mora». En Sevilla, escribió la mayor parte de sus «Estudios». 

• Además de componer obras originales (entre las que más destacan «Recuerdos de la Alhambra», «El Capricho árabe» y «La Danza mora»), también fueron famosos sus arreglos a piezas de guitarra de otros autores como Ludwig van Beethoven, Felix Mendelssohn o Frédéric Chopin.

• En los últimos años varias de sus piezas han sido usadas, por ejemplo una versión de su capricho árabe utilizó la cantante Shakira para el tema central de la película «Amar en tiempos del cólera», y años antes, Mike Oldfield incluyó una versión orquestal de «Recuerdos de la Alhambra» para la banda sonora de la película «Los gritos del silencio». Pero lo más curioso es que en los años 90 una versión de su pieza «El Gran Vals» fue de las más interpretadas y oídas en el mundo al utilizarse para realizar la llamada melodía Nokia.

Melodía Nokia:

Enlace YouTube de «Gran vals»
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ENRICO CARUSO

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Enrico Caruso (1895-1921)

VOZ
GÉNERO: Clásica, Ópera
PAÍS DE ORIGEN: Italia
SELLO DISCOGRÁFICO: Gramophone & Typewriter Company, Victor Talking Machine Company

HISTORIA: Nacido con el nombre de Enrico Caruso el 25 de febrero de 1873 en Nápoles, Italia. Fue el tercero de tres hermanos y uno de los tres que sobrevivieron a la infancia. Como su familia estaba bastante lejos de ser una familia adinerada su padre le puso a trabajar de aprendiz de un ingeniero mecánico. Después se puso a trabajar en la fábrica de fundición donde trabajaba su padre.

Aunque comenzó a trabajar a una muy temprana edad no le impidió ir a la escuela, gracias a la insistencia de su madre, y así pudo obtener una educación básica impartida por el sacerdote local, lo que le abrió las puertas para poder cantar en el coro de la iglesia y empezar a demostrar que podía apuntar más alto. Y así, otra vez, gracias a los ánimos de su madre empezó a interesarse en empezar una carrera como músico. Lamentablemente su madre murió cuando el tenía 15 años. Después de este trágico suceso, Errico se cambió el nombre a Enrico, como se le ha llegado a conocer. Empezó a estudiar clases de canto y al tiempo trabajó cantando en la calle y en cafés de la ciudad. A los 18 años cuando empezaba a ver algo de dinero por su trabajo tuvo que interrumpirlo para realizar el servicio militar obligatorio.

En 1894, cuando logró el alta militar, prosiguió con sus clases y pronto debutaría en el Teatro de Nápoles, después de esta actuación les siguieron otras por toda la provincia donde aunque no le daba para ganar mucho dinero al menos iba puliendo su estilo. El 26 de diciembre de 1900, después de varios años actuando por toda Italia, se le contrata para cantar en la Scala de Milán (Auditorio más famoso de Italia) interpretando a Rodolfo, personaje de la ópera de Puccini «La bohème». Gustó tanto que continuó trabajando para varias óperas en la Scala, en alguna ocasión como tenor principal. El 11 de abril de 1902 la casa discográfica Gramophone & Typewriter Company le contrató para grabar sus primeros discos revelándose como uno de los pioneros de las grabaciones de canciones. Éstos llegaron a ser un rotundo éxito y le hicieron famoso a escala mundial. Se le abrieron las puertas de los teatros de lugares como Rusia, Portugal, Inglaterra, Sudamérica o  Estados Unidos. El 1 de febrero de 1904 consiguió el contrato de su vida, con la Victor Talking Machine Company de Nueva York, para grabar sus primeros discos estadounidenses, este acuerdo además de meterle en el mercado estadounidense le dejaría suculentas cantidades de dinero. Al igual que se le vincularía a esta casa discográfica de por vida, también se le relacionó bastante con el Metropolitan de Nueva York debido a la cantidad de actuaciones que allí realizó.

Durante los siguientes 10 años viajó por todo el mundo, en todas partes era bien recibido debido a que todo el mundo le podía hacer escuchado a través de alguna copia de algún disco. Iban a verle actuar desde las clases más altas hasta las clases medias, un ejemplo de esto fueron la enorme cantidad de emigrantes italianos en Estados Unidos que llenaban los teatros. En 1917 cuando Estados Unidos entró en la I Guerra Mundial Caruso se implicó y dono e hizo varias conciertos solidarios para ayudar al país. Durante su vida se le relacionó con dos mujeres, la primera en 1987 fue Ada Giachetti, años mayor que él y también cantante de ópera. Se dice que gracias a ella mejoró su técnica de canto. Con ella tuvo una relación de 11 años llena de altibajos. Tuvieron dos hijos, Rodolfo y Enrico jr. En 1908 Ada le terminó abandonando junto a sus hijos. 10 años después Enrico se volvería a casar, está vez con una mujer 10 años más joven que él, Dorothy Park Benjamin, hija de un acaudalado abogado de Nueva York. Con ella tuvo a su hija Gloria en 1909. Dorothy a lo largo de su vida llego a escribir dos libros de memorias del gran tenor.

En 1920, Enrico Caruso empieza a perder salud, en parte debido a su afición al tabaco y al trabajo. En un principio el médico que le revisó no encontró nada grave y le dejó seguir cantando, lo que hizo que empeorase su salud. Después de que tuviera que parar en mitad de una actuación debido a su pobre estado de salud contactó con otros médicos que le pudieron diagnosticar pleuresía purulenta y empiema. Después de varios episodios dolorosos y diferente pruebas se le aparta de los escenarios y se le insta a descansar. Con la salud muy deteriorada Caruso vuelve a Nápoles para recuperarse. El 2 de agosto Caruso muere en Nápoles con 48 años de edad. Por entonces era el cantante de cualquier género más conocido en el mundo.

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• Over There:

• Mattinata:

• Amor mio:

• Fenesta Che Lucive:

• Ave Maria:

• Lasciati Amar:

• Ideale:

• Luna Destate:

• Lolita, Spanish Serenade:

• Pour un baiser:

• Manella Mia:

• Hantise Damour:

• Mama mia,che vo sape:

• Un Bacio Ancora:

• The Lost Chord:

• La Mia Canzone:

• Mia Sposa Sara La Mia Bandiera

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• AIDA:



• CARMEN:

• DON JUAN:

• FAUST:

• GERMANIA:

•IL TROVATORE:


• LA BOHEME:


• LA REINE DE SABA:

• LES HUGUENOTS:

• MADAME BUTTERFLY:

• MANON:

• OTELLO:

• PAGLIACCI:

• PECHEURS DE PERLES:

• VERDI REQUIEM:

• RIGOLETTO:

• TOSCA:


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– AIDA:

– CARMEN:

– DON JUAN:

– FAUST:

– GERMANIA:

– IL TROVATORE:

– LA BOHEME:

– LA REINE DE SABA:

– LES HUGUENOTS:

– MADAME BUTTERFLY:

– MANON:

– OTELLO:

– PAGLIACCI:

– PECHEURS DE PERLES:

– VERDI REQUIEM:

– RIGOLETTO:

– TOSCA:

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ANÉCDOTAS:

• Ya en la madurez, siempre que volvía acompañado a su ciudad natal, Nápoles, le gustaba enseñar orgulloso una fuente que ayudó a instalar en su etapa como joven aprendiz.

• En una de sus tempranas actuaciones en Nápoles, cuando aún no era famoso, el público le abucheó al no realizar bien un paso de baile de claqué. Esto le dolió tanto que llegó a decir que no volvería a los escenarios napolitanos, y que sólo volvería para comer espaguetis.

• El 18 de abril de 1906 estando de gira por San Francisco una fuerte sacudida le despertó de su cama en la habitación del hotel. Eran las 5:03 y Caruso rápidamente salió del hotel y huyó de la ciudad por barco, pero se dice que antes de irse paro para desayunar. El terremoto condujó a una serie de incendios que destruyó la mayor parte de la ciudad, fue una de las mayores catástrofes de la historia de Estados Unidos. Después de esta experiencia Enrico no volvió a pisar la ciudad.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

• En su etapa como estudiante además d destacar por su gran voz de estacó por otro arte muy diferente, las caricaturas. Conocidas son las caricaturas que se hacía de el mismo y que luego iba firmando y regalando.

• El cantante y compositor Lucio Dalla escribió una canción homenaje llamada Caruso dedicado al tenor. En ella cuenta la historia que a su vez le contaron cuando se hospedó en el hotel donde se recuperaba Caruso. La canción habla de como Caruso se volvió a enamorar de una joven a la que le enseñaba a cantar, este debía estar en reposo pero su amor era más fuerte que vuelve a cantar por última vez lo que le precipita a su muerte.

Link de la canción en YouTube interpretada por Luciano Pavarotti
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SCOTT JOPLIN

[tab name=»BIOGRAFÍA»]

scott joplinScott Joplin (1868-1917)

PIANISTA
GÉNERO: Jazz/Ragtime
PAÍS DE ORIGEN: Estados Unidos
SELLO DISCOGRÁFICO: John Stark & Son

HISTORIA: Pianista y compositor estadounidense, vital para el desarrollo del ragtime clásico, y por supuesto del jazz. ¿Pero qué es el ragtime? Podríamos decir que, junto con el blues, fueron músicas predecesoras de lo que hoy conocemos como jazz, siendo el estilo que nos ocupa más influyente incluso que el genero que se destilaba en el Delta del Misisispi.

Las primeras composiciones de ragtime aparecen ya impresas en la primera mitad del siglo XIX y quizá la primera de estas obras sea «Mississippi Rag» compuesta por William Krell.

Scott Joplin probablemente sea el más grande de estos compositores. Joplin nació en Texarkana (Texas) un 24 de noviembre de 1868. Su padre, un antiguo esclavo que había tocado el violín, abandonó a su madre y a él cuando Scott era muy joven. Muchas veces al acompañar a su madre a las casas donde ella ejercía como asistenta, éste improvisaba con el piano de los dueños de la casa. En su adolescencia empezó a crearse una reputación como pianista tocando en clubes e iglesias. En algún momento a mediados de los ochenta, Joplin se trasladaría a St. Louis, donde empezó a ganarse la vida como instrumentista.
Más o menos en 1897, escribió el «Maple Leaf Rag» quizá la pieza ragtime más famosa de su tiempo. En su primer año solo se vendieron cuatrocientos ejemplares, pero tres años después el tema se convertiría en un éxito y terminó siendo la primera partitura de la historia en vender más de un millón de ejemplares, aprovechándose del incremento de la venta de pianos en esos tiempos (en 1909 se llegarían a vender 350.000 pianos al año)

Joplin siempre intentó superar lo que para él eran los estrechos limites de la música rag, llegando a afirmar que para él escribir este tipo de música era un pasatiempo y que deseaba tareas más estimulantes. Su obra más destacada, el trabajo de sus más altas aspiraciones fue la opera «Treemonisha» ya con muy poco ragtime en ella. «Treemonisha» es un viaje por la música negra previa al rag. La partitura de doscientas treinta páginas para piano y creada para once voces solo llegó a ser interpretada una vez en 1915. Fue un absoluto fracaso.
Un año después, un frío otoño, Scott Joplin ingresó en un hospital de Manhattan. Falleció el 1 de abril de 1917 a causa de una demencia acaecida por la sífilis. Tenía 48 años.

La figura de Joplin fue prácticamente ignorada en las siguientes décadas pero en los años setenta un revival del ragtime hizo que su música transcendiera al estudio de críticos y especialistas en música negra para que su figura entrase en el imaginario popular por la puerta grande. Una pieza suya, «The Entertainer» utilizada en la película «El Golpe» (protagonizada por Paul Newman y Robert Redford) llegó a ganar el Oscar a mejor banda sonora, siendo su tema, incluso, numero 3 en la lista Billboard. No obstante, y de esto podemos estar seguros de lo que más orgulloso hubiera estado Scott Joplin, es del reestreno y grabación de «Treemonisha», 70 años después del fiasco que supuso su primera-y única-representación. En 1976 se le concedió el premio Pulitzer de forma postuma por su contribución a la cultura afroamericana. Sus canciones y obras a día de hoy, siguen siendo recordadas e interpretadas.

 Ernesto G Almodóvar
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WEEPING WILLOW RAG´S

THE ENTERTAINER

MAPLE LEAF RAG

SCOTT JOPILN RAGTIME (3 tracks)

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PARTITURAS

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