Archivo de la etiqueta: música 1910

1910-1919

MA RAINEY

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Ma Rainey (1904-1939)

VOZ
GÉNERO: Blues
PAÍS DE ORIGEN: Estados Unidos
SELLO DISCOGRÁFICO: Paramount Records

HISTORIA: Nacida como Gertrude Pridgett el 26 de abril de 1886, en Columbus, Georgia, hija de unos actores de una compañía de teatro Thomas Pridgett y Ella Allen-Pridgett. Rainey empezó trabajando en la Ópera de Springer en 1900 como cantante y bailarina en el programa de talentos locales. El 2 de febrero de 1904, se casó con William «Pa» Rainey. Pronto formaron pareja de escenario recorriendo el sur del país como «Ma» y «Pa» Rainey. En estos viajes fue donde «Ma» empezó a tomar contacto con el blues, y en 1905 lo metieron en su repertorio.

Su capacidad para captar el estado de ánimo y la esencia de la vida rural de los afroamericanos del sur del país hizo que rápidamente tuviera una multitud de seguidores en todo el Sur. En 1912, cuando ya llevaba varios años sobre las tablas, los Rainey introdujeron a una nueva bailarina, Bessie Smith que llegaría a ser una grandísima cantante de blues. En 1916 se separó de William y creó su propia banda con la que pronto se fue de gira. Durante los siguientes años estuvo con varias bandas trabajando.

Rainey comenzó su andadura con las grabaciones con la Paramount en 1923 (Tres años después de la primera grabación de blues por Mamie Smith). Siendo ya una cantante de teatro famosa en el sur, Rainey entró en la industria de la grabación como un talento con experiencia y estilísticamente madura. Su primera sesión, se editó en Austin y contó con su tema más famoso «Bo-Gorgojo Blues». Ese mismo año también lanzó «Moonshine Blues» con Lovie Austin y «Yonder Comes the Blues» con Louis Armstrong . Durante el resto de la década de 1920, «Ma» se hizo famosa y rica por sus continuas actuaciones y sus grabaciones con diferentes artistas y bandas. Hasta que empezó la década de los 30 y con la Gran Depresión las actuaciones bajaron.

Tras la muerte de su madre y su hermana, Rainey se retiró del negocio de la música en 1935 y se estableció en Columbia. Los siguientes años se dedicó a su etapa de empresaria cuidando los intereses de sus teatros «The Lyric» y «Airdome», así como las actividades de la Iglesia Bautista de la Amistad. Rainey murió en Rome, Georgia, el 22 de diciembre de 1939 por un ataque al corazón. Siempre se la recordará como la primera artista que convirtió el blues rural en canción popular poniendo en moda este género musical durante las tres primeras décadas del siglo 20, en las que fue creciendo en fama y dinero.
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• LISTA DE REPRODUCCIÓN 1

• LISTA DE REPRODUCCIÓN 3

• Slave To the Blues

• Slow Driving Moan

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ANÉCDOTAS:

• Ma Rainey, fue muy bien apodada como «Madre del Blues», no sólo por ser la primera mujer cantante de Blues si no porque también fue la madre, artísticamente hablando, de la grandísima Bessie Smith, una de las mejores del género y que hoy en día se la recuerda por encima de Rainey. Y es que «Ma» estuvo en sus primeros años ya que trabajaron juntas cuando ésta era una adolescente, y aunque no fue su instructora sí parece que hizo las veces de madre en la compañía.

• En el año 2015, la cadena HBO realizó «Bessie», película que narra la vida de Bessie Smith, la llamada «Emperatriz del Blues». En esta película también aparece Ma Rainey interpretada por la actriz Mo’Nique.  Queen Latifah se metió en la piel de Bessie.

• La música de Rainey ha servido de inspiración para poetas afroamericanos como Langston Hughes y Sterling Brown, este último la rindió homenaje con el poema «Ma Rainey». Alice Walker se basó en su música como modelo cultural de la condición de la mujer afroamericana cuando escribió la novela, ganadora del Premio Pulitzer, «El color púrpura».

• A diferencia de muchos otros músicos de blues, Rainey ganó una reputación como buena profesional en el escenario como en los negocios. Esto era debido a todo el trabajo realizado con la Paramount. Así se la podía ver en el escenario enfundada en vestidos largos y cubierta de diamantes y oro. Rainey sabía como utilizar al público y siempre que salía al escenario generaba un gran fervor entre ellos.

• Ver documental dedicado a su vida en inglés.

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ORIGINAL DIXIELAND JAZZ BAND

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Original Dixieland Jazz Band (1916-1925,1936)

 

CLARINETE / CORNETA / TROMBÓN / PIANO / BATERÍA
GÉNERO: Jazz
PAÍS DE ORIGEN: Estados Unidos
SELLO DISCOGRÁFICO: Columbia Records / Victor Records / Aeolian Vocalion

HISTORIA: La Original Dixieland Jass Band, banda creada por componentes de Nueva Orleans, pionera dentro del jazz y su evolución. A esta banda se le atribuyen las primeras grabaciones de jazz en el año 1917.

En 1916 un promotor de Chicago, tras ver el éxito que estaba teniendo el jazz en la ciudad debido en parte a la Tom Brown´s Band (famosa banda de Jazz de la época) decidió hacerles la competencia y llamó al clarinetista Alcide Nunez y al batería Johnny Stein para crear una formación de músicos que pudiera compartir estos éxitos. El quinteto se cerró con la contratación del cornetista Nick La Rocca, el pianista Henry Ragas y el trombonista Eddie Edwards, todos ellos músicos desde hacía años en otras bandas o en solitario.

Hicieron su debút en el café Schiller´s con el nombre de Stein’s Dixie Jass Band. Después de varios éxitos el grupo se desmarcó del batería Johnny Stein por el descontento de toda la formación debido a la alta diferencia entre él y los demás componentes, no solo porque el grupo llevará su nombre si no porque era el único que tenía contrato como profesional. Además de la baja de Stein al tener problemas La Rocca con Nuñez, el clarinetista también abandono el grupo.

Con los nuevos cambios de Tony Sbarbaro y de Larry Shields como nuevos batería y clarinetista respectivamente nació la Original Dixieland Jass Band (ODJB) y su primer trabajo fue tocar en el Reisenweber’s Cafe de Manhattan.

A comienzos de 1917 aunque otras bandas de Jazz con sonido Nueva Orleans eran ya conocidas en Nueva York y Chicago fueron la ODJB la primera que tuvo un contrato para hacer unas grabaciones para Columbia Records aunque no las publicaron. Sin embargo, pocas semanas después de estas grabaciones hicieron otras con Victor Records que sí llegaron a ver la luz y en marzo de este año salió el primer disco de jazz de la historia. Siguieron grabando para Victor pero alternando con Columbia Records, que ahora sí empezaba a publicar sus creaciones. También grabaron para la compañía Aeolian Vocalion. Todas estas grabaciones cosecharon grandes éxitos en todo el país, y sobre todo, en Nueva York.

En 1918 el trombonista Edwards es reclutado para la I Guerra Mundial y el pianista Ragas muere por la gripe española por lo que son sustituidos por Emile Chrstian y J. Russel Robinson respectivamente.

En 1919 la banda viaja a Londres para intentar acrecentar su fama, allí le espera la aristocracia de la época encabezada por el Rey Jorge V, que en un principio no parecía comprender la música lo cual empezó a incomodar a la banda hasta que éste comenzó reír y disfrutar con el tema «Tiger Rag». Durante la gira Inglesa tocaron por todo el país y volvieron a grabar varios temas nuevos para la franquicia británica de Columbia Records.

En 1920 vuelven a Estados Unidos y deciden meter en algunos de sus temas y actuaciones un saxofonista. Más adelante La Rocca sale del grupo. Fueron años donde empiezan a tener desencuentros entre los componentes del grupo y ya en 1925 se disuelve la formación. Aunque en 1935 fueron invitados a tocar nuevamente para Victor Records, no llegaron a obtener el éxito pretendido y se disolvieron definitivamente.

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– Lista de reproducción 1:

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• Selección de su discografía

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ANÉCDOTAS:

• El cornetista Frank Christian fue en un principio el elegido para la Stein’s Dixie Jass Band pero poco antes de su debut  Christian se retiró y Nick LaRocca fue contratado como reemplazo de última hora.

• Después de todo el éxito que cosechó la banda creando una moda por el jazz por todo el país, Stein, líder de la anterior formación intentó crear un nuevo grupo con el pianista Jimmy Durante pero no llegó nunca a tener el éxito de la ODJB
Cierto es que la ODJB no fueron los creadores del jazz, pero al ser los primeros en sacar un disco se dieron a conocer en todo el país empezando por el norte de este, y es que antes se pensaba que esta era música del sur cantada en burdeles.

• La gripe española que acabó con la vida del pianista Henry Ragas fue una epidemia que afectó a todo el globo convirtiéndola en pandemia. Se llamo española porque los primeros casos se dieron entre Francia y España, y como los españolas no estaban involucrados en la I Guerra Mundial no censuraron la información de esta enfermedad y se hizo más eco en este país.

• Robinson además de tocar el piano haría arreglos y compondría piezas para el grupo, y más adelante llegó a trabajar con grandes como Frankie Trumbauer, Eddie Lang, Bessie Smith y Cab Calloway entre otros.
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CARLOS GARDEL

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Carlos Gardel (1912-1935)

VOZ
GÉNERO: Tango / Milonga
PAÍS DE ORIGEN: Uruguay / Francia
SELLO DISCOGRÁFICO: Columbia / Odeón / RCA Victor

HISTORIA: Existe cierta controversia en acordar su lugar y fecha de nacimiento. La teoría francesista explica que éste nació en Toulouse (Francia) en 1890, hijo de Marie Berthe Gardes y con el nombre original de Charles Romuald Gardes que más tarde lo castellanizó como Carlos Romualdo Gardel. La teoría uruguayista sitúa su nacimiento en Tacuarembó (Uruguay) entre 1883 y 1887 sosteniendo que Marie Berthe Gardes fue su madre adoptiva y que Charles Romuald Gardes fue un hijo que tuvo Marie Berthe más tarde.

Ambas versiones están de acuerdo que cuando su padre les abandonó sobre 1893 se fueron a vivir a Buenos Aires, pasando una infancia y adolescencia dura debido a la pobreza de la familia que conseguía asilo en los conventos porteños. El barrio donde se situaban estos conventillos estaba muy cerca de la zona de teatros lo que hizo acercarle a este mundo ya que su madre trabajó planchando ropa y él en diversas tareas menores sólo por el pago de la entrada de las funciones.
A comienzos del siglo XX después de varios años entre bambalinas el joven Carlos comienza a ejercer de tramoyista en el Teatro de la Victoria, y en 1902 pasa al teatro de la Ópera. En estos años empieza a conocer a gente destacada del mundo del canto como el zarzuelista Sagi Barba o el barítono Titta Ruffo con los que empieza a aprender a cantar.

En esa época Gardel comienza a frecuentar los bares del barrio del Abasto, y sobre todo el café O’Rondeman regentado por los hermanos Traverso, que también controlaban políticamente el barrio en nombre del conservador Partido Autonomista Nacional. Pronto los hermanos cogen afecto por Gardel y le toman como protegido dándole la oportunidad de cantar en su café.
En la época en la que comenzó a cantar, el canto popular estaba dominado por el arte de la invención de los propios versos a medida que se cantaba (denominado como payada), pero Gardel no tenía esta habilidad, sin embargo debido la calidad de su voz se fue abriendo camino poco a poco. Hecho que le situó como cantante pero no como payador. Años más tarde se juntaría con payadores para cantar sus canciones haciendo a éstos famosos.
En 1913, cuando aún era un desconocido, es contratado por la discográfica Columbia para sacar una serie de discos. Por esa época también solía cantar a duo con José Razzano por los bares de los barrios Abasto y Balvanera Sur, y aunque a veces se les unían otras voces se decantó siempre más en cantar a duo con su amigo Razzano y con él fue con quien empezó a conseguir la fama dentro de Buenos Aires.

En 1914 Gardel y Razzano fueron contratados para cantar en el famoso cabaret Armenonville, cobrando 70 pesos la noche, debido a los orígenes precarios del cantante pensó que esos altos honorarios serían por quincena. Y un año después le volvería a pasar algo parecido cuando un empresario uruguayo les quiso contratar para tocar en Montevideo, éste les preguntó que cuanto querían cobrar y Razzano le dio una cifra muy inferior a lo que tenía previsto el empresario. Sin dudarlo el empresario cerró rápidamente el trato y a continuación les dijo «¡Ustedes no saben lo que valen!». Fue la primera vez que tocaban fuera de Argentina y tuvieron un éxito inesperado, tanto que se dice que Gardel en el camerino rompió a llorar después de la actuación.
En 1917, una vez vencido el leonino contrato con la discográfica Columbia, llega a un acuerdo con la empresa Odeón por la que cobraron alrededor de 8.000 pesos cada uno. En el mismo año Gardel se estrena como actor para la película «Flor de durazno» la cual casi abandona al no comprender su rol en una película muda. Terminó este año grabando su primer tango «Mi noche triste», el cual no tuvo mucha acogida. Algunos lo tacharon de «caricatura de la música y la literatura, de origen bastardo y sucio». Sin embargo al año siguiente, cuando esta canción fue incluida en un sainete la cosa cambió y cuando salió en su nuevo disco fue un éxito.
En los siguientes años fue introduciendo poco a poco más tangos a su repertorio de nuevas creaciones, aunque sin dejar las canciones de ritmos populares. En esa época se nacionalizó argentino al entregar una cedula que decía que nació en Uruguay en 1887.
En 1923 viaja con Razzano a Europa para hacer una gira y mostrarles los tangos argentinos puesto que en Europa aunque eran ya conocidos se distanciaban levemente de las obras de Gardel. Triunfaron por España y luego por Francia hasta que en 1925 debido a una lesión de laringe Razzano abandona la canción para ejercer las funciones empresariales. Después de 6 años de giras entre Sudamérica y Europa, cosechando en Francia un éxito abrumador vuelve en 1929 a Argentina y con gran esfuerzo de Razzano pueden grabar sus dos últimos temas juntos.
Ya en casa decide reconducir su carrera cambiando el medio para llegar a la gente, este sería a través del cine. En 1930 comienza a rodar una serie de cortometrajes, cada uno de ellos basado en uno de sus canciones. En 1931 graba su primer largometraje «Las luces de Buenos Aires» grabado en los estudios que tenía la Paramount en Francia, la película triunfó en el mercado hispanohablante, incluso en sitios donde Gardel no había cantado. A esta película le siguieron en 1932 «Espérame», el corto «La casa es seria» y «Melodía de arrabal», estas dos últimas con Imperio Argentina.
En 1933 de vuelta en Argentina tuvo unos cuantos conciertos por todo el interior del país hasta que le llegó un contrato para dar el salto a Estados Unidos, antes visitaría Europa para hacer una pequeña gira pendiente. El 30 de diciembre debuta para la radio estadounidense NBC. Después de varias actuaciones radiales para la cadena, Gardel dio de nuevo el paso a la pantalla grande para rodar en Nueva York «Cuesta abajo» que le procuró un enorme éxito dentro del país, y por supuesto, en America Latina. Aunque los medios de prensa de Buenos Aires cargaron contra ella por dar una mala imagen de Argentina. A este filme le siguieron «El tango en Broadway», «Cazadores de estrellas» (donde trabajó con las grandes estrellas musicales de la Paramount como Bing Crosby, Richard Tauber o Glenn Miller), «El día que me quieras» y «Tango Bar», la calidad de estas películas fue en aumento en buena parte porque se contrató a un director para las dos últimas que estaba más encaminado en los gustos del cantante y no en los de la productora que quería dar una imagen tópica de los argentinos.

Con las películas y grabaciones musicales Gardel desató una locura nunca vista en la época, similar a la beatlemania que décadas después desencadenó el cuarteto de Liverpool. Con el afán de contentar a sus seguidores Gardel se embarcó en una gira por toda Latinoamérica yendo a las ciudades de países como Puerto Rico, Venezuela o Colombia. Tal expectación hubo que en muchas de las ciudades los cuerpos policiales cargaron debida a la locura de miles de persona queriendo llegar a ver de cerca, incluso abrazar o tocar a la estrella argentina.
El 24 de junio de 1935 Carlos Gardel muere en un accidente de avión en la ciudad de Medellín (Colombia) en mitad de su gira Latinoamericana. Su avión en el momento de despegar se chocó con otro avión de una empresa alemana que estaba esperando para coger pista. Aunque en un principio cada empresa aeronáutica echó la culpa a la otra al final se dictaminó que todo fue provocado por un fuerte viento y por las características de la pista.
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– Gardelero Viejo

-The Best of Carlos Gardel

-Carlos Gardel, 15 originales

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• GardeleroViejo.mp3

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ANÉCDOTAS:

• En 2003 la voz de Gardel fue registrada por la Unesco en el programa Memoria del Mundo, dedicado a la preservación de documentos patrimoniales

• En una noche de diciembre de 1915, Gardel recibió un balazo de unos matones de poca monta llamados Roberto Guevara -el autor del disparo- y Moreno Gallegos Serna. Aunque  la noticia se hizo eco al ser el cantante ya famoso las causas de la agresión no quedaron esclarecidas.

• En 1927 cuando no le faltaba dinero en el bolsillo se compró una casa a pocas calles del bar de los Traverso donde comenzó su carrera, y no se olvidó de su madre, quien estuvo a su lado en los peores momentos, y la llevó a vivir con él.

• Cuando comenzó a ser famoso y a verse en fotos y películas empezó a preocuparse por su imagen (1,70 cm y sobre los 100 kilos), así que decidió cambiarla para convertirse en el galán que terminó siendo.

El joven Gardel entrado en kilos.

• Se dice que los cortometrajes de sus canciones que grabó en 1930 pueden ser considerados como los primeros videoclips musicales, además de ser las primeras piezas sonoras del cine argentino.

• En 1933 grabó varios discos difundidos bajo el título de «Gardel canta a Gardel», en los que, utilizando una novedosa tecnología, canta a dúo consigo mismo.

• En Nueva York miles de personas desbordaron el cine en el estreno de «Cuesta abajo» hasta tal punto que tuvieron que colocarse altavoces en la calle para que la gente que no había podido entrar en la sala pudiera escuchar también los temas de la película.

• «Cazadores de estrellas» se estrenó poco después de la muerte de Gardel y por esa razón la Paramount decidió quitar la parte donde aparecía el cantante argentino. Se dice que existe alguna copia sin estos cortes en poder de coleccionistas privados.


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JELLY ROLL MORTON

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Jelly Roll Morton (1902-1941)

PIANO, VOZ
GÉNERO: Jazz
PAÍS DE ORIGEN: Estados Unidos
SELLO DISCOGRÁFICO: The Victor Talking Machine Company

HISTORIA: Morton nació en una familia criolla de la ciudad de Nueva Orleans, Louisiana. Las fuentes difieren en cuanto a su fecha de nacimiento, van desde septiembre de 1884 a octubre de 1889, aunque él y sus hermanas siempre dijeron que fue el 20 de septiembre de 1885. Su nombre real, Ferdinad Joseph LaMenthe, lo cambio al separarse sus padres para utilizar el nombre de su padrastro, Mouton, aunque lo anglicanizó a Morton.

Desde temprana edad empezó a tocar el piano y ya a los 14 años encontró su primer trabajo tocando en un burdel, por entonces vivía con su beata abuela que cuando se enteró de donde trabajaba le echo de casa al pensar que había deshonrado a la familia.

En 1904 ya empezando a ser conocido empezó a tocar por todo el sur de los Estados Unidos, en esta temporada es cuando compuso sus mejores obras. a partir de 1910 probó suerte en el norte del país y después de tocar en Nueva York se estableció en Chicago con su novia Rosa Brown, aquí tuvo la oportunidad de grabar su «Jerry Roll Blues» que se convertiría en la primera composición de jazz publicada.

En 1917 se trasladó a California acompañado por su amigo el director de orquesta William Manuel Johnson, y la suerte le volvió a sonreír ya que su tango «The Crave» causo furor en Hollywood.

En 1923 vuelve a Chicago para reivindicar la autoría de su obra «The Wolverines» y en 1926 montó la banda de jazz Jelly Roll Morton & His Red Hot Peppers y consiguió un contrato con la discográfica más importante del país, The Victor Talking Machine Company.

En 1928 Morton se casa con la bailarina Mabel Bertrand en Nueva York donde se trasladaría a vivir. Siguió grabando para Victor solo, con el grupo y otras veces acompañado de otros artistas, aunque le cuesta encontrar acompañantes que puedan seguir su estilo musical. Con la Gran Depresión empezó a haber una bajada importante en la Industria y en 1931 Victor no volvió a renovarle. En esta época se gano la vida como buenamente pudo, tocando en bares de Nueva York, apareciendo en un programa de radio, de gira con espectáculos «burlesque» con el grupo.

En 1935 deja la banda y se vuelve a mudar, es a vez su destino será Washington, donde le ofrecen ser el encargado del piano en el bar «Music Box», aunque también desempeñó diferentes funciones desde barman a maestro de ceremonias. Durante los años que estuvo trabajando en el bar Morton conoció a Alan Lomax, musicólogo que trabajaba para la Biblioteca del Congreso. Intresado en Morton le propuso grabar una serie de entrevistas y lo que en un principio sería una corta grabación acabó durando bastantes horas donde se le puede escuchar hablando y tocando el piano. Estas grabaciones han ayudado a situar al pianista en el Olimpo del jazz y en 2005 cuando liberaron las grabaciones éstas consiguieron dos premios Grammy.

Ya en 1938 un amigo del dueño del «music Box» le apuñala y le hiere en cabeza y pecho. Cuando es llevado al hospital más cercano no le atienden al ser un hospital de blancos (por entonces la ciudad tenía instalaciones de segregación racial), así que tienen que ir a uno para negros que estaba bastante más lejos lo que supone un incremento en la gravedad de éstas, ya que irá recayendo los siguientes años hasta su muerte. Después de este incidente su mujer, Mabel, le exige que se vayan de la ciudad.

De nuevo en Nueva York, vuelve a hacer una serie de grabaciones comerciales con temas que narran sus primeros años. Poco después las secuelas del apuñalamiento le mandan al hospital por falta de aire, para recuperarse necesita estar durante 3 meses en el hospital.

Cuando se recupera viaja a los Ángeles con nuevas composiciones y con la intención de montar una banda, pero de nuevo recae de sus heridas y es ingresado en un hospital de la ciudad. El 10 de julio de 1941 Jerry Roll Morton muere pocos días después de su ingreso.

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– Discografía completa:

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• Discografía completa.mp3

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ANECDOTAS:

• Su apodo de Jelly Roll le viene de cuando empezó a tocar en los burdeles. El apodo es jerga negra y hace referencia a los genitales femeninos, ya que en sus letras ,siempre en tono picante, hacía un uso  frecuentemente de esta expresión.

• A principios de los años 20 es contratado para tocar en un club de Vancouver llamada «The Patricia», de este periodo se dice que fueron los años más alocados de Morton, al parecer tuvo unos años caóticos donde le dio por jugar a las cartas, tirarse a la bebida y, según el historiador de jazz Mark Miller, hasta llegó a hacerse proxeneta.

• Uno de los acuerdos que llegó a tener con el dueño del «Music Box» fue que los amigos de Morton podrían entrar gratis y ser invitados a las consumiciones, por lo que el bar tuvo siempre un agujero en su caja debido a esto. Así no parece tan extraño que un amigo del dueño le atacara.

• Una de las épocas que más interesó a Lomax de Morton fueron sus años durante los que tocó en los lupanares de Nueva Orleans sus canciones más obscenas. En un principio sólo quería tomar notas pero presionado por el propio Morton finalmente las grabó. Debido a que eran bastante picantes hasta el año 2005 la Biblioteca del Congreso no las liberó.
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BESSIE SMITH

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bessiesmithBessie Smith (1894-1937)

VOZ
GÉNERO: Blues
PAÍS DE ORIGEN: Estados Unidos
SELLO DISCOGRÁFICO: Columbia, Okeh, Parlophone

HISTORIA: Bessie Smith, más conocida como la Emperatriz del Blues, fue la cantante femenina más importante de su época. Nació en una localidad de Tennessee de lovefcratiano nombre, Chattanoogga el 14 de abril de 1894. Hacia los nueve años empezó a cantar y bailar en la calle por unos centavos. Siendo adolescente, formó parte del espectáculo de Ma Rainey, la que a menudo ha sido señalada como su maestra, aunque este dato ha sido puesto en duda por varios expertos en blues y jazz. No obstante, la versatilidad y talento de Rainey superó rápidamente al de su supuesta mentora, por lo que un día, decidió seguir su propio camino. Empezó a trabajar para el «Theatre Owner´s Booking Agency» conocido por las condicones draconianas con las que trataba a sus artistas (en el caso de Smith su paga era de algo más de dos dolares por semana) No obstante, y a pesar de estas condiciones, sus espectáculos eran memorables lo que la hizo ganar bastante popularidad en el sur de Estados Unidos.

En 1923 el blues empezaba a ser un genero popular debido a las grabaciones en 48 r.p.m y ese mismo año, Smith realizó la grabación que la lanzó al estrellato «Down Hearted Blues». Vendió más de medio millón de ejemplares, lo que hizo que Bessie empezase a grabar y girar de manera regular, esta vez, eso sí, cobrando más de dos mil dolares mensuales, siendo la cantante y actriz negra mejor pagada de su tiempo. Su popularidad, aparte de su indudable talento, se debió a que atenuaba los aspectos más dolorosos y clásicos del blues tradicional con sentido del humor y diferentes metáforas sobre el acto sexual (significativo es el titulo «Need a Little Sugar in My Bowl») Dice Ted Gioia, que esto contribuyó a la condena del blues por numerosos grupos  sociales y religiosos de Estados Unidos.

Grabó con los más importantes músicos de su generación, Louis Armstrong, Fletcher Henderson, Chu Berry e incluso Benny Goodman.

Debido a la parálisis que sufrió la industria discográfica en la Gran Depresión, su carrera sufrió un gran retroceso, pero ella siguió tocando en bares y clubs. El 26 de septiembre de 1937 sufrió un terrible accidente de coche mientras se dirigía a un concierto. Al llevarla al hospital, tuvieron que amputarle un brazo. Jamás volvió a recuperar el sentido, muriendo pocas horas después. En 1970 se descubrió la tumba sin nombre donde estaba enterrada, Janis Joplin, que siempre declaró la influencia que había ejercido Smith sobre su música (como Billie Holiday o Mahalia Jackson) pagó el coste de la lapida de su bolsillo.

Ernesto G Almodóvar

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BESSIE SMITH-THE EMPRESS OF BLUES 1

BESSIE SMITH-THE EMPRESS OF BLUES 2

BESSIE SMITH THE EMPRESS OF BLUES 3

BESSIE SMITH THE EMPRESS OF BLUES 4

BESSIE SMITH THE EMPRESS OF BLUES 5

BESSIE SMITH 98 SONGS

BESSIE SMITH 01-10

BESSIE SMITH MP3 AUDIO SONGS

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Cortometraje de 1929, St Louis Blues, donde aparece.


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CHARLEY PATTON

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Charley Patton (1891-1934)

Charley-Patton-by-Robert-Crump

GUITARRA, VOZ
GÉNERO: Blues
PAÍS DE ORIGEN: Estados Unidos
SELLO DISCOGRÁFICO: Paramount Records, Vocalion Records

HISTORIA: Charley Patton fue uno de los primeros artistas de blues conocidos y sin duda el padre del llamado Delta Blues. Nació, un 1 de mayo de 1891 en Hinds County, una localidad del Delta del Misisipi. En el año 1900, Pattón y su familia se trasladaron a la plantación de algodón Dockery (aún abolida la esclavitud, muchos afroamericanos seguían siendo explotados en condiciones pésimas) Allí conocería a Henry Sloan y a Willie Brown  músicos de blues de los que aprendería bastante de su estilo y técnica viajando por todo el Delta. Con 19 años, Patton, compondría su primera canción: Pony Blues.

Llegó a ser muy popular en Estados Unidos, siendo contratado en plantaciones, tabernas y bares para interpretar sus canciones. Sus actuaciones eran todo un  espectáculo, gritaba, se contorsionaba, se pasaba la guitarra por detrás de la espalda… Su voz, como buen bluesman que se precie, estaba dañada por la mala vida, el alcohol y el tabaco, siendo muy grave y característica. Dicen las leyendas que se podía escuchar a cientos de metros sin que el músico necesitase amplificación. Esta voz grave influiría en la forma de cantar de algunos de sus alumnos como los míticos Howlin Wolf y Big Joe Williams. Sus discos de 78 r.p.m fueron los discos de blues más vendidos de su época. Hoy por hoy es considerado el padre del blues junto con el también legendario Robert Johnson. Murió el 28 de abril de 1934.

Ernesto G Almodovar

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CHARLEY PATTON-THE COLLECTION


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Artículo en la revista Jot Down sobre Charley Patton
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EDDIE LANG

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Eddie Lang (1902-1933)

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GUITARRA
GÉNERO: Jazz
PAÍS DE ORIGEN: Estados Unidos
SELLO DISCOGRÁFICO: Okeh Records

HISTORIA: Eddie Lang, nacido como Salvatore Massaro un 25 de octubre de 1902 en Filadelfia, es conocido por ser uno de los guitarristas de jazz más influyentes de su época, teniendo gran influencia en músicos posteriores como Django Reinhardt. Muy joven empezó a tocar varios instrumentos de manera profesional, entre ellos la guitarra. Tocó con una gran generación de músicos blancos de jazz, Joe Venuti, Adrian Rollini… todos ellos influenciados por la música italiana y la música clásica. Todas estas corrientes mezcladas con el jazz de Nueva Orleans enriquecieron el estilo hasta limites insospechados unos años antes. 

Llegó a ser colaborador del popular Bing Crosby, llegando a participar en algunos filmes con el popular músico de Tacoma (Ondas Musicales, 1932). Tras una complicación tras una operación de garganta fallece, con tan sólo treinta años en Nueva York. La causa exacta de su muerte aun es desconocida. Está enterrado en el cementerio de Holy Cross (Pensilvania)

Ernesto G Almodóvar

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EDDIE LANG-JOE VENUTI 1

EDDIE LANG-JOE VENUTI 2

EDDIE LANG- THE ESSENTIAL 1

EDDIE LANG-THE ESSENTIAL 2

EDDIE LANG-76 SONGS

RED MCKENZIE-JOE VENUTI-EDDIE LANG-THERE´LL BE SOME CHANGES MADE

EDDIE LANG ORCH-FREEZE AN´MELT

 

 

EDDIE LANG ORCH-MARCH OF THE HOODLUMS

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Web oficial de Eddie Lang (incluye varias partituras)
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COLE PORTER

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COLECole Porter (1891-1964)

PIANO
GÉNERO: Teatro Musical
PAÍS DE ORIGEN: Estados Unidos
SELLO DISCOGRÁFICO: ...

HISTORIA: Nacido en Peru (Indiana) en 1891 en el seno de una familia acomodada bajo el nombre de Cole Albert Porter, éste mostró de forma muy temprana su talento para la música. Con seis años tocaba el violín, componía y tocaba de forma diaria el piano, pero hasta que Cole no estuvo en la famosa universidad de Yale no compondría sus primeros éxitos y saldría de gira con el coro de la misma, el Yale Glee Club. Después pasaría a cursar derecho en Harvard, universidad donde solo estuvo estudiando un año hasta que pasó a estudiar en la escuela de música de la misma universidad.

Después de varios fracasos se iría a estudiar música a París, donde llevaría una vida de playboy viviendo en un apartamento de lujo. Allí conoció a Linda Lee Thomas una rica divorciada, con la que se casaría a pesar de ser homosexual. En 1928 vuelve a Broadway donde, por fin, tendría su primer éxito un musical llamado París. Sus composiciones le hicieron rápidamente conocido. Compuso muchas de ellas pensando en Fred Astaire.

En el año 1937 sufrió un accidente donde se partiría las dos piernas. Durante el resto de su vida sufriría dolores crónicos, como crónica fue su depresión causada por los dolores sufridos y por más de cuarenta operaciones.

Murió en 1964, a la edad de 74 años. Algunas de sus canciones han sido interpretadas por Frank Sinatra, Marilyn Monroe, Ella Fitzgerald o Charlie Parker. En la película de 2011 Midnight in Paris (Woody Allen) aparece siendo interpretado por el actor Yves Heck.

Ernesto G Almodóvar

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COLE PORTER-ANYTHING GOES

SONGS OF COLE PORTER

SOL S. WAGNER-COLE PORTER I´M LOVE AGAIN

COLE PORTER-WHAT IS THING CALLED LOVE

COLE PORTER-OLIVE KLINE  OLD FASHIONED GARDEN

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ENRICO CARUSO

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Enrico Caruso (1895-1921)

VOZ
GÉNERO: Clásica, Ópera
PAÍS DE ORIGEN: Italia
SELLO DISCOGRÁFICO: Gramophone & Typewriter Company, Victor Talking Machine Company

HISTORIA: Nacido con el nombre de Enrico Caruso el 25 de febrero de 1873 en Nápoles, Italia. Fue el tercero de tres hermanos y uno de los tres que sobrevivieron a la infancia. Como su familia estaba bastante lejos de ser una familia adinerada su padre le puso a trabajar de aprendiz de un ingeniero mecánico. Después se puso a trabajar en la fábrica de fundición donde trabajaba su padre.

Aunque comenzó a trabajar a una muy temprana edad no le impidió ir a la escuela, gracias a la insistencia de su madre, y así pudo obtener una educación básica impartida por el sacerdote local, lo que le abrió las puertas para poder cantar en el coro de la iglesia y empezar a demostrar que podía apuntar más alto. Y así, otra vez, gracias a los ánimos de su madre empezó a interesarse en empezar una carrera como músico. Lamentablemente su madre murió cuando el tenía 15 años. Después de este trágico suceso, Errico se cambió el nombre a Enrico, como se le ha llegado a conocer. Empezó a estudiar clases de canto y al tiempo trabajó cantando en la calle y en cafés de la ciudad. A los 18 años cuando empezaba a ver algo de dinero por su trabajo tuvo que interrumpirlo para realizar el servicio militar obligatorio.

En 1894, cuando logró el alta militar, prosiguió con sus clases y pronto debutaría en el Teatro de Nápoles, después de esta actuación les siguieron otras por toda la provincia donde aunque no le daba para ganar mucho dinero al menos iba puliendo su estilo. El 26 de diciembre de 1900, después de varios años actuando por toda Italia, se le contrata para cantar en la Scala de Milán (Auditorio más famoso de Italia) interpretando a Rodolfo, personaje de la ópera de Puccini «La bohème». Gustó tanto que continuó trabajando para varias óperas en la Scala, en alguna ocasión como tenor principal. El 11 de abril de 1902 la casa discográfica Gramophone & Typewriter Company le contrató para grabar sus primeros discos revelándose como uno de los pioneros de las grabaciones de canciones. Éstos llegaron a ser un rotundo éxito y le hicieron famoso a escala mundial. Se le abrieron las puertas de los teatros de lugares como Rusia, Portugal, Inglaterra, Sudamérica o  Estados Unidos. El 1 de febrero de 1904 consiguió el contrato de su vida, con la Victor Talking Machine Company de Nueva York, para grabar sus primeros discos estadounidenses, este acuerdo además de meterle en el mercado estadounidense le dejaría suculentas cantidades de dinero. Al igual que se le vincularía a esta casa discográfica de por vida, también se le relacionó bastante con el Metropolitan de Nueva York debido a la cantidad de actuaciones que allí realizó.

Durante los siguientes 10 años viajó por todo el mundo, en todas partes era bien recibido debido a que todo el mundo le podía hacer escuchado a través de alguna copia de algún disco. Iban a verle actuar desde las clases más altas hasta las clases medias, un ejemplo de esto fueron la enorme cantidad de emigrantes italianos en Estados Unidos que llenaban los teatros. En 1917 cuando Estados Unidos entró en la I Guerra Mundial Caruso se implicó y dono e hizo varias conciertos solidarios para ayudar al país. Durante su vida se le relacionó con dos mujeres, la primera en 1987 fue Ada Giachetti, años mayor que él y también cantante de ópera. Se dice que gracias a ella mejoró su técnica de canto. Con ella tuvo una relación de 11 años llena de altibajos. Tuvieron dos hijos, Rodolfo y Enrico jr. En 1908 Ada le terminó abandonando junto a sus hijos. 10 años después Enrico se volvería a casar, está vez con una mujer 10 años más joven que él, Dorothy Park Benjamin, hija de un acaudalado abogado de Nueva York. Con ella tuvo a su hija Gloria en 1909. Dorothy a lo largo de su vida llego a escribir dos libros de memorias del gran tenor.

En 1920, Enrico Caruso empieza a perder salud, en parte debido a su afición al tabaco y al trabajo. En un principio el médico que le revisó no encontró nada grave y le dejó seguir cantando, lo que hizo que empeorase su salud. Después de que tuviera que parar en mitad de una actuación debido a su pobre estado de salud contactó con otros médicos que le pudieron diagnosticar pleuresía purulenta y empiema. Después de varios episodios dolorosos y diferente pruebas se le aparta de los escenarios y se le insta a descansar. Con la salud muy deteriorada Caruso vuelve a Nápoles para recuperarse. El 2 de agosto Caruso muere en Nápoles con 48 años de edad. Por entonces era el cantante de cualquier género más conocido en el mundo.

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• Over There:

• Mattinata:

• Amor mio:

• Fenesta Che Lucive:

• Ave Maria:

• Lasciati Amar:

• Ideale:

• Luna Destate:

• Lolita, Spanish Serenade:

• Pour un baiser:

• Manella Mia:

• Hantise Damour:

• Mama mia,che vo sape:

• Un Bacio Ancora:

• The Lost Chord:

• La Mia Canzone:

• Mia Sposa Sara La Mia Bandiera

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• AIDA:



• CARMEN:

• DON JUAN:

• FAUST:

• GERMANIA:

•IL TROVATORE:


• LA BOHEME:


• LA REINE DE SABA:

• LES HUGUENOTS:

• MADAME BUTTERFLY:

• MANON:

• OTELLO:

• PAGLIACCI:

• PECHEURS DE PERLES:

• VERDI REQUIEM:

• RIGOLETTO:

• TOSCA:


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– AIDA:

– CARMEN:

– DON JUAN:

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– IL TROVATORE:

– LA BOHEME:

– LA REINE DE SABA:

– LES HUGUENOTS:

– MADAME BUTTERFLY:

– MANON:

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– PAGLIACCI:

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– VERDI REQUIEM:

– RIGOLETTO:

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ANÉCDOTAS:

• Ya en la madurez, siempre que volvía acompañado a su ciudad natal, Nápoles, le gustaba enseñar orgulloso una fuente que ayudó a instalar en su etapa como joven aprendiz.

• En una de sus tempranas actuaciones en Nápoles, cuando aún no era famoso, el público le abucheó al no realizar bien un paso de baile de claqué. Esto le dolió tanto que llegó a decir que no volvería a los escenarios napolitanos, y que sólo volvería para comer espaguetis.

• El 18 de abril de 1906 estando de gira por San Francisco una fuerte sacudida le despertó de su cama en la habitación del hotel. Eran las 5:03 y Caruso rápidamente salió del hotel y huyó de la ciudad por barco, pero se dice que antes de irse paro para desayunar. El terremoto condujó a una serie de incendios que destruyó la mayor parte de la ciudad, fue una de las mayores catástrofes de la historia de Estados Unidos. Después de esta experiencia Enrico no volvió a pisar la ciudad.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

• En su etapa como estudiante además d destacar por su gran voz de estacó por otro arte muy diferente, las caricaturas. Conocidas son las caricaturas que se hacía de el mismo y que luego iba firmando y regalando.

• El cantante y compositor Lucio Dalla escribió una canción homenaje llamada Caruso dedicado al tenor. En ella cuenta la historia que a su vez le contaron cuando se hospedó en el hotel donde se recuperaba Caruso. La canción habla de como Caruso se volvió a enamorar de una joven a la que le enseñaba a cantar, este debía estar en reposo pero su amor era más fuerte que vuelve a cantar por última vez lo que le precipita a su muerte.

Link de la canción en YouTube interpretada por Luciano Pavarotti
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