Archivo de la etiqueta: música Jazz

CAB CALLOWAY

[tab name=»BIOGRAFÍA»]

Cab Calloway (1907-1994)

CANTANTE Y DIRECTOR DE ORQUESTA
GÉNERO: Jazz, Scat
PAÍS DE ORIGEN: Estados Unidos
SELLO DISCOGRÁFICO: RCA

HISTORIA: Cab Calloway nació bajo el nombre Cabell Calloway III en una familia de clase media en Rochester, Nueva York, y fue criado principalmente en Baltimore, Maryland. Su padre, Cabell Calloway II, era abogado, y su madre Martha Eulalia Reed era profesora y pianista de iglesia. Los padres reconocieron el talento musical de su hijo, y recibió clases privadas de canto en 1922. Continuó estudiando música y canto a lo largo de su vida escolar. Aunque sus padres y profesores de canto no aprobaban el jazz, Calloway comenzó a frecuentar y finalmente a interpretar en varios clubes de jazz en Baltimore, donde sus mentores fueron el batería Chick Webb y el pianista Johnny Jones. Tras graduarse de la educación secundaria Cab se unió a su hermana mayor, Blanche, en la realización de un tour de la revista de música afroamericana Plantation Days (Blanche Calloway se transformaría en líder de banda luego que su hermano lo hiciera, y Cab la acreditaría a ella como la inspiración a entrar al negocio del espectáculo). Cuando el tour finalizó en Chicago, Cab decidió permanecer en Chicago junto a su hermana, quien tenía ya una carrera como cantante de jazz en esa ciudad. Sus padres esperaban que Cab se convirtiera en abogado como su padre, por lo que Calloway estudió en Crane College. Su mayor interés, sin embargo, era cantar y trabajar en el espectáculo, por lo que pasó varias noches en elDreamland Cafe y Sunset Cafe, donde participó como baterista, cantante y MC. En el Sunset Cafe conoció y tocó junto a Louis Armstrong quien lo convenció de cantar en el estilo scat.

Llegó a la zona una gira de jazz, y la orquesta de Cab Calloway fue contratada para reemplazar a la de Duke Ellington mientras estuvieran en la gira. Calloway rápidamente adquirió popularidad y la banda se volvió en una de las principales de la gira junto a la de Ellington, Cab y su grupo tocaron a lo largo del país mientras no actuaban en el Cotton Club. Su popularidad creció con las transmisiones radiales de la NBC en el famoso cabaret Cotton Club. Calloway además apareció en el programa de radio de Walter Winchelly en el show de Bing Crosby en el Paramount Theatre. Como resultado de estas apariciones, Calloway, junto a Ellington, rompieron la barrera racial existente en el espectáculo.

En 1931, grabó una de sus canciones más famosas, «Minnie the Moocher». Esa canción, «St. James Infirmary Blues» y «The Old Man Of The Mountain» fueron interpretadas en los cortometrajes animados de Betty Boop Minnie the moocher, Snow White y The Old Man of the Mountain, respectivamente. Gracias a la magia del rotoscopio, Cab no solo aportó con su voz para estos dibujos animados, sino que también sus pasos de baile. Cab se aprovechó de esto haciendo coincidir la fecha de sus conciertos con los estrenos de estos cortometrajes para ganar mayor atención. Debido al éxito de «Minnie the Moocher» fue identificado por su coro, ganando el apodo «The Hi De Ho Man.» En 1943 apareció en la película musical de 20th Century Fox, Stormy Weather. En 1941 Cab Calloway echó a Dizzy Gillespie de su orquesta luego que reaccionara violentamente cuando Calloway fue escupido mientras estaba en el escenario. Acusó erróneamente a Gillespie, quien amenazó a Calloway con un cuchillo. En 1944, fue publicado el The New Cab Calloway’s Hepsters Dictionary: Language of Jive, nueva versión de un libro en el cual Cab tradujo para sus fanáticos algunas frases que probablemente no conocían, por ejemplo, «dar puntapiés al gong» («kicking the gong around») era una referencia a fumar opio.

En los años 50, Calloway trasladó a su familia de Long Island, NY, a Greenburgh, NY para criar a tres de sus cinco hijas. Calloway se volvió muy popular durante este tiempo, apareciendo en varias películas donde requerían de su voz y pasos de baile. En 1952, interpretó a «Spotin’ Life» en una producción de la ópera de George Gershwin Porgy and Bess con William Warfield y Leontyne Price como artistas principales. Otro papel notable fue «Yeller» en The Cincinnati Kid (1965), con Steve McQueen, Ann-Margret y Edward G. Robinson. En 1967 Calloway protagonizó mediante el personaje Horace Vandergelder una nueva versión del musical Hello, Dolly! (aun cuando todavía existía el original) junto a Pearl Bailey. El éxito permitió una versión grabada por RCA. Entre 1973 y 1974 participó en The Pajama Game de Broadway junto a Hal Linden y Barbara McNair.

En 1976 fue lanzada su autobiografía, Of Minnie The Moocher And Me (Crowell). Que incluía su diccionario completo como apéndice. Calloway llamó nuevamente la atención en 1980 cuando apareció en la película The Blues Brothers cantando «Minnie The Moocher», y nuevamente cuando cantó «The Jumpin’ Jive» con el monstruo de dos cabezas en Sesame Street.

(Wikipedia)

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  • Cab Calloway and his orchestra (1931) (54 tracks)

  • Cab Calloway and his orchestra (1940)

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  • En el año 1980 tendría un papel protagonista en la película Granujas a Todo Ritmo (The blues Brothers, 1980) dirigida por John Landis. En ella interpreta al viejo encargado el orfanato en el que se habían criado Jake (John Belushi) y Elwood (Dan Akroyd).

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JIMMY BLYTHE

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Jimmy Blythe (1917-1931)

PIANO
GÉNERO: Jazz
PAÍS DE ORIGEN: Estados Unidos
SELLO DISCOGRÁFICO: Columbia / Paramount

HISTORIA: Teniendo en cuenta todas las sesiones de grabación que tuvo en Chicago en la década de 1920 (en particular con Johnny Dodds), es sorprendente lo poco que se conoce sobre el misterioso Jimmy Blythe.

Nació el 20 de mayo de 1901 en Keene, Kentucky, dentro de una familia de 11 hermanos de los cuales quedó como el pequeño de los 5 que llegaron a sobrevivir a la infancia. Poco se sabe de estos primeros años. En 1914 se mudó junto a sus hermanos a Lexington, la segunda ciudad más grande del estado. Ahí trabajó en empleos como conserje o jornalero.

Se volvió a trasladar en 1917 junto con una de sus hermanas, esta vez a Chicago, para intentar aprender y triunfar como pianista. Llegó a estudiar con el pianista Clarence Jones.

En Chicago Blythe grabó docenas de rollos de piano a comienzos de los años 20 con la compañía Columbia. En 1924 ficha por la Paramount que comenzaron a editar sus temas, y desde que salió su pieza «Chicago Stomp» ese mismo año fue considerado por algunos como la primera grabación de boogie-woogie de larga duración.

Durante los próximos siete años hizo un par de solos de piano y otros respaldado por artistas como Ma Rainey, Blind Blake y, por supuesto muchas otras veces con su amigo Dodds. También Hizo varios dúos de piano con Burton y Charlie Clark.

Jimmy Blythe murió repentinamente a la edad de 30 años por meningitis. Considerado como un gran solista se le conoce también como un acompañante excelente.
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• LISTA DE REPRODUCCIÓN 1

• LISTA DE REPRODUCCIÓN 2

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• LISTA DE REPRODUCCIÓN 1
• LISTA DE REPRODUCCIÓN 2

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ORIGINAL DIXIELAND JAZZ BAND

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Original Dixieland Jazz Band (1916-1925,1936)

 

CLARINETE / CORNETA / TROMBÓN / PIANO / BATERÍA
GÉNERO: Jazz
PAÍS DE ORIGEN: Estados Unidos
SELLO DISCOGRÁFICO: Columbia Records / Victor Records / Aeolian Vocalion

HISTORIA: La Original Dixieland Jass Band, banda creada por componentes de Nueva Orleans, pionera dentro del jazz y su evolución. A esta banda se le atribuyen las primeras grabaciones de jazz en el año 1917.

En 1916 un promotor de Chicago, tras ver el éxito que estaba teniendo el jazz en la ciudad debido en parte a la Tom Brown´s Band (famosa banda de Jazz de la época) decidió hacerles la competencia y llamó al clarinetista Alcide Nunez y al batería Johnny Stein para crear una formación de músicos que pudiera compartir estos éxitos. El quinteto se cerró con la contratación del cornetista Nick La Rocca, el pianista Henry Ragas y el trombonista Eddie Edwards, todos ellos músicos desde hacía años en otras bandas o en solitario.

Hicieron su debút en el café Schiller´s con el nombre de Stein’s Dixie Jass Band. Después de varios éxitos el grupo se desmarcó del batería Johnny Stein por el descontento de toda la formación debido a la alta diferencia entre él y los demás componentes, no solo porque el grupo llevará su nombre si no porque era el único que tenía contrato como profesional. Además de la baja de Stein al tener problemas La Rocca con Nuñez, el clarinetista también abandono el grupo.

Con los nuevos cambios de Tony Sbarbaro y de Larry Shields como nuevos batería y clarinetista respectivamente nació la Original Dixieland Jass Band (ODJB) y su primer trabajo fue tocar en el Reisenweber’s Cafe de Manhattan.

A comienzos de 1917 aunque otras bandas de Jazz con sonido Nueva Orleans eran ya conocidas en Nueva York y Chicago fueron la ODJB la primera que tuvo un contrato para hacer unas grabaciones para Columbia Records aunque no las publicaron. Sin embargo, pocas semanas después de estas grabaciones hicieron otras con Victor Records que sí llegaron a ver la luz y en marzo de este año salió el primer disco de jazz de la historia. Siguieron grabando para Victor pero alternando con Columbia Records, que ahora sí empezaba a publicar sus creaciones. También grabaron para la compañía Aeolian Vocalion. Todas estas grabaciones cosecharon grandes éxitos en todo el país, y sobre todo, en Nueva York.

En 1918 el trombonista Edwards es reclutado para la I Guerra Mundial y el pianista Ragas muere por la gripe española por lo que son sustituidos por Emile Chrstian y J. Russel Robinson respectivamente.

En 1919 la banda viaja a Londres para intentar acrecentar su fama, allí le espera la aristocracia de la época encabezada por el Rey Jorge V, que en un principio no parecía comprender la música lo cual empezó a incomodar a la banda hasta que éste comenzó reír y disfrutar con el tema «Tiger Rag». Durante la gira Inglesa tocaron por todo el país y volvieron a grabar varios temas nuevos para la franquicia británica de Columbia Records.

En 1920 vuelven a Estados Unidos y deciden meter en algunos de sus temas y actuaciones un saxofonista. Más adelante La Rocca sale del grupo. Fueron años donde empiezan a tener desencuentros entre los componentes del grupo y ya en 1925 se disuelve la formación. Aunque en 1935 fueron invitados a tocar nuevamente para Victor Records, no llegaron a obtener el éxito pretendido y se disolvieron definitivamente.

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– Lista de reproducción 1:

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• Selección de su discografía

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ANÉCDOTAS:

• El cornetista Frank Christian fue en un principio el elegido para la Stein’s Dixie Jass Band pero poco antes de su debut  Christian se retiró y Nick LaRocca fue contratado como reemplazo de última hora.

• Después de todo el éxito que cosechó la banda creando una moda por el jazz por todo el país, Stein, líder de la anterior formación intentó crear un nuevo grupo con el pianista Jimmy Durante pero no llegó nunca a tener el éxito de la ODJB
Cierto es que la ODJB no fueron los creadores del jazz, pero al ser los primeros en sacar un disco se dieron a conocer en todo el país empezando por el norte de este, y es que antes se pensaba que esta era música del sur cantada en burdeles.

• La gripe española que acabó con la vida del pianista Henry Ragas fue una epidemia que afectó a todo el globo convirtiéndola en pandemia. Se llamo española porque los primeros casos se dieron entre Francia y España, y como los españolas no estaban involucrados en la I Guerra Mundial no censuraron la información de esta enfermedad y se hizo más eco en este país.

• Robinson además de tocar el piano haría arreglos y compondría piezas para el grupo, y más adelante llegó a trabajar con grandes como Frankie Trumbauer, Eddie Lang, Bessie Smith y Cab Calloway entre otros.
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JELLY ROLL MORTON

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Jelly Roll Morton (1902-1941)

PIANO, VOZ
GÉNERO: Jazz
PAÍS DE ORIGEN: Estados Unidos
SELLO DISCOGRÁFICO: The Victor Talking Machine Company

HISTORIA: Morton nació en una familia criolla de la ciudad de Nueva Orleans, Louisiana. Las fuentes difieren en cuanto a su fecha de nacimiento, van desde septiembre de 1884 a octubre de 1889, aunque él y sus hermanas siempre dijeron que fue el 20 de septiembre de 1885. Su nombre real, Ferdinad Joseph LaMenthe, lo cambio al separarse sus padres para utilizar el nombre de su padrastro, Mouton, aunque lo anglicanizó a Morton.

Desde temprana edad empezó a tocar el piano y ya a los 14 años encontró su primer trabajo tocando en un burdel, por entonces vivía con su beata abuela que cuando se enteró de donde trabajaba le echo de casa al pensar que había deshonrado a la familia.

En 1904 ya empezando a ser conocido empezó a tocar por todo el sur de los Estados Unidos, en esta temporada es cuando compuso sus mejores obras. a partir de 1910 probó suerte en el norte del país y después de tocar en Nueva York se estableció en Chicago con su novia Rosa Brown, aquí tuvo la oportunidad de grabar su «Jerry Roll Blues» que se convertiría en la primera composición de jazz publicada.

En 1917 se trasladó a California acompañado por su amigo el director de orquesta William Manuel Johnson, y la suerte le volvió a sonreír ya que su tango «The Crave» causo furor en Hollywood.

En 1923 vuelve a Chicago para reivindicar la autoría de su obra «The Wolverines» y en 1926 montó la banda de jazz Jelly Roll Morton & His Red Hot Peppers y consiguió un contrato con la discográfica más importante del país, The Victor Talking Machine Company.

En 1928 Morton se casa con la bailarina Mabel Bertrand en Nueva York donde se trasladaría a vivir. Siguió grabando para Victor solo, con el grupo y otras veces acompañado de otros artistas, aunque le cuesta encontrar acompañantes que puedan seguir su estilo musical. Con la Gran Depresión empezó a haber una bajada importante en la Industria y en 1931 Victor no volvió a renovarle. En esta época se gano la vida como buenamente pudo, tocando en bares de Nueva York, apareciendo en un programa de radio, de gira con espectáculos «burlesque» con el grupo.

En 1935 deja la banda y se vuelve a mudar, es a vez su destino será Washington, donde le ofrecen ser el encargado del piano en el bar «Music Box», aunque también desempeñó diferentes funciones desde barman a maestro de ceremonias. Durante los años que estuvo trabajando en el bar Morton conoció a Alan Lomax, musicólogo que trabajaba para la Biblioteca del Congreso. Intresado en Morton le propuso grabar una serie de entrevistas y lo que en un principio sería una corta grabación acabó durando bastantes horas donde se le puede escuchar hablando y tocando el piano. Estas grabaciones han ayudado a situar al pianista en el Olimpo del jazz y en 2005 cuando liberaron las grabaciones éstas consiguieron dos premios Grammy.

Ya en 1938 un amigo del dueño del «music Box» le apuñala y le hiere en cabeza y pecho. Cuando es llevado al hospital más cercano no le atienden al ser un hospital de blancos (por entonces la ciudad tenía instalaciones de segregación racial), así que tienen que ir a uno para negros que estaba bastante más lejos lo que supone un incremento en la gravedad de éstas, ya que irá recayendo los siguientes años hasta su muerte. Después de este incidente su mujer, Mabel, le exige que se vayan de la ciudad.

De nuevo en Nueva York, vuelve a hacer una serie de grabaciones comerciales con temas que narran sus primeros años. Poco después las secuelas del apuñalamiento le mandan al hospital por falta de aire, para recuperarse necesita estar durante 3 meses en el hospital.

Cuando se recupera viaja a los Ángeles con nuevas composiciones y con la intención de montar una banda, pero de nuevo recae de sus heridas y es ingresado en un hospital de la ciudad. El 10 de julio de 1941 Jerry Roll Morton muere pocos días después de su ingreso.

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– Discografía completa:

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• Discografía completa.mp3

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ANECDOTAS:

• Su apodo de Jelly Roll le viene de cuando empezó a tocar en los burdeles. El apodo es jerga negra y hace referencia a los genitales femeninos, ya que en sus letras ,siempre en tono picante, hacía un uso  frecuentemente de esta expresión.

• A principios de los años 20 es contratado para tocar en un club de Vancouver llamada «The Patricia», de este periodo se dice que fueron los años más alocados de Morton, al parecer tuvo unos años caóticos donde le dio por jugar a las cartas, tirarse a la bebida y, según el historiador de jazz Mark Miller, hasta llegó a hacerse proxeneta.

• Uno de los acuerdos que llegó a tener con el dueño del «Music Box» fue que los amigos de Morton podrían entrar gratis y ser invitados a las consumiciones, por lo que el bar tuvo siempre un agujero en su caja debido a esto. Así no parece tan extraño que un amigo del dueño le atacara.

• Una de las épocas que más interesó a Lomax de Morton fueron sus años durante los que tocó en los lupanares de Nueva Orleans sus canciones más obscenas. En un principio sólo quería tomar notas pero presionado por el propio Morton finalmente las grabó. Debido a que eran bastante picantes hasta el año 2005 la Biblioteca del Congreso no las liberó.
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BESSIE SMITH

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bessiesmithBessie Smith (1894-1937)

VOZ
GÉNERO: Blues
PAÍS DE ORIGEN: Estados Unidos
SELLO DISCOGRÁFICO: Columbia, Okeh, Parlophone

HISTORIA: Bessie Smith, más conocida como la Emperatriz del Blues, fue la cantante femenina más importante de su época. Nació en una localidad de Tennessee de lovefcratiano nombre, Chattanoogga el 14 de abril de 1894. Hacia los nueve años empezó a cantar y bailar en la calle por unos centavos. Siendo adolescente, formó parte del espectáculo de Ma Rainey, la que a menudo ha sido señalada como su maestra, aunque este dato ha sido puesto en duda por varios expertos en blues y jazz. No obstante, la versatilidad y talento de Rainey superó rápidamente al de su supuesta mentora, por lo que un día, decidió seguir su propio camino. Empezó a trabajar para el «Theatre Owner´s Booking Agency» conocido por las condicones draconianas con las que trataba a sus artistas (en el caso de Smith su paga era de algo más de dos dolares por semana) No obstante, y a pesar de estas condiciones, sus espectáculos eran memorables lo que la hizo ganar bastante popularidad en el sur de Estados Unidos.

En 1923 el blues empezaba a ser un genero popular debido a las grabaciones en 48 r.p.m y ese mismo año, Smith realizó la grabación que la lanzó al estrellato «Down Hearted Blues». Vendió más de medio millón de ejemplares, lo que hizo que Bessie empezase a grabar y girar de manera regular, esta vez, eso sí, cobrando más de dos mil dolares mensuales, siendo la cantante y actriz negra mejor pagada de su tiempo. Su popularidad, aparte de su indudable talento, se debió a que atenuaba los aspectos más dolorosos y clásicos del blues tradicional con sentido del humor y diferentes metáforas sobre el acto sexual (significativo es el titulo «Need a Little Sugar in My Bowl») Dice Ted Gioia, que esto contribuyó a la condena del blues por numerosos grupos  sociales y religiosos de Estados Unidos.

Grabó con los más importantes músicos de su generación, Louis Armstrong, Fletcher Henderson, Chu Berry e incluso Benny Goodman.

Debido a la parálisis que sufrió la industria discográfica en la Gran Depresión, su carrera sufrió un gran retroceso, pero ella siguió tocando en bares y clubs. El 26 de septiembre de 1937 sufrió un terrible accidente de coche mientras se dirigía a un concierto. Al llevarla al hospital, tuvieron que amputarle un brazo. Jamás volvió a recuperar el sentido, muriendo pocas horas después. En 1970 se descubrió la tumba sin nombre donde estaba enterrada, Janis Joplin, que siempre declaró la influencia que había ejercido Smith sobre su música (como Billie Holiday o Mahalia Jackson) pagó el coste de la lapida de su bolsillo.

Ernesto G Almodóvar

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BESSIE SMITH-THE EMPRESS OF BLUES 1

BESSIE SMITH-THE EMPRESS OF BLUES 2

BESSIE SMITH THE EMPRESS OF BLUES 3

BESSIE SMITH THE EMPRESS OF BLUES 4

BESSIE SMITH THE EMPRESS OF BLUES 5

BESSIE SMITH 98 SONGS

BESSIE SMITH 01-10

BESSIE SMITH MP3 AUDIO SONGS

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Cortometraje de 1929, St Louis Blues, donde aparece.


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FRANKIE TRUMBAUER

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FRANKFrankie Trumbauer (1901-1956)

SAXOFÓN
GÉNERO: Jazz, Dixieland
PAÍS DE ORIGEN: Estados Unidos
SELLO DISCOGRÁFICO: Okeh, Columbia

HISTORIA: De ancestros cherokees, Orie Frank Trumbauer, nació en la pequeña localidad de Carbondale, Illinoise (Estados Unidos) un 30 de mayo de 1901, siendo un niño empezó con sus estudios musicales pero su carrera profesional empezaría mucho más tarde, después de su paso por el ejercito. Era un avezado músico, ya que dominaba  la corneta,, el violín, el fagot y la flauta, además del saxofón. Su música podría ser definida como Cool Jazz antes del Cool Jazz, un sonido limpio y cristalino que buscaba la melodía por encima de todo. Sería conocido por las colaboraciones con su amigo Beiderbecke y con Eddie Lang.

En contraste con otros músicos de jazz de vida disoluta, Trumbauer era taciturno y apenas bebía. De hecho abandonó el mundo de la música para dedicrse al mundo de la aeronautica, llegando a pilotar aviones de prueba y entrenando pilotos en la II Guerra Mundial. Murió con 55 años de edad de un ataque al corazón en Kansas (Misouri)

Ernesto G Almodóvar

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FRANKIE TRUMBAUER-THE COLLECTION 1

FRANKIE TRUMBAUER-THE COLLECTION 2

FRANKIE TRUMBAUER ORCH-144 SONGS

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Discografía completa en Discogs
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GLADYS BENTLEY

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Bentley croppedGladys Bentley (1907-1960)

VOZ
GÉNERO: Blues, Jazz
PAÍS DE ORIGEN: Estados Unidos
SELLO DISCOGRÁFICO: Okeh Records, Victor, Excelsior Records

HISTORIA: Gladys Bentley fue una cantante norteamericana nacida en Filadelfia en 1907. Formó parte del renacimiento del arte negro en el barrio de Harlem (Nueva York) un movimiento cultural que englobó jazz, literatura y pintura y a musicos como Duke Ellington y Fletcher Henderson.

Bentley fue una pionera del estilo de vida «queer», reconociendo ser lesbiana desde el inicio de su carrera y vistiendo con trajes de hombre y grandes sombreros de copa. Al final de su carrera («casualmente» durante la epoca de McCarthy y la caza de brujas) renegó de su orientación sexual, declarándose «curada» por la toma de hormonas femeninas. Murió de neumonia en 1960.

Ernesto G Almodovar

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GLADYS BENTLEY 6 SONGS

 

 

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Artículo en inglés en Queer Cultural Center

Actuación en vivo junto con Groucho Marx

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EDDIE LANG

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Eddie Lang (1902-1933)

eddie-lang-07

GUITARRA
GÉNERO: Jazz
PAÍS DE ORIGEN: Estados Unidos
SELLO DISCOGRÁFICO: Okeh Records

HISTORIA: Eddie Lang, nacido como Salvatore Massaro un 25 de octubre de 1902 en Filadelfia, es conocido por ser uno de los guitarristas de jazz más influyentes de su época, teniendo gran influencia en músicos posteriores como Django Reinhardt. Muy joven empezó a tocar varios instrumentos de manera profesional, entre ellos la guitarra. Tocó con una gran generación de músicos blancos de jazz, Joe Venuti, Adrian Rollini… todos ellos influenciados por la música italiana y la música clásica. Todas estas corrientes mezcladas con el jazz de Nueva Orleans enriquecieron el estilo hasta limites insospechados unos años antes. 

Llegó a ser colaborador del popular Bing Crosby, llegando a participar en algunos filmes con el popular músico de Tacoma (Ondas Musicales, 1932). Tras una complicación tras una operación de garganta fallece, con tan sólo treinta años en Nueva York. La causa exacta de su muerte aun es desconocida. Está enterrado en el cementerio de Holy Cross (Pensilvania)

Ernesto G Almodóvar

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EDDIE LANG-JOE VENUTI 1

EDDIE LANG-JOE VENUTI 2

EDDIE LANG- THE ESSENTIAL 1

EDDIE LANG-THE ESSENTIAL 2

EDDIE LANG-76 SONGS

RED MCKENZIE-JOE VENUTI-EDDIE LANG-THERE´LL BE SOME CHANGES MADE

EDDIE LANG ORCH-FREEZE AN´MELT

 

 

EDDIE LANG ORCH-MARCH OF THE HOODLUMS

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Web oficial de Eddie Lang (incluye varias partituras)
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DJANGO REINHARDT

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django_reinhardt_by_djehngoDjango Reinhardt (1910-1953)

GUITARRA
GÉNERO: Jazz
PAÍS DE ORIGEN: Belgica
SELLO DISCOGRÁFICO: Ultraphone, Decca, HMV

HISTORIA: Django Reinhardt, nacido en Liberchies (Bélgica) un 23 de enero de 1910 como Jean Baptiste Reinhardt , fue uno de los músicos de jazz europeos más influyentes de su época, siendo uno de los primeros artistas en  dejar de imitar a los músicos norteamericanos e incluir en sus composiciones influencias propias europeas. Junto con el violinista Stéphane Grappelli fundaría el Quintette du Hot Club de France, uno de los grupos mas influyentes y paradigmáticos de la época. 

Criado en Francia, en un campamento gitano, pronto mostraría su inclinación por la música, siendo profesional desde casi niño sin recibir ningún tipo de educación musical (de hecho, nunca sabría escribir, firmando  siempre con una X)

Su peculiar estilo tocando la guitarra, se debe a un accidente ocurrido el 26 de octubre de 1928. Un incendio provocado fortuitamente en su caravana casi acaba con su vida y la de su mujer, dañando su mano izquierda y toda la parte derecha de su cuerpo. Los médicos aconsejaron amputar su pierna pero él se negó de forma rotunda. Al final quedó incapacitado del cuarto y quinto dedo de su mano izquierda, pero gracias a su tesón y a su fuerza de voluntad consiguió inventar un nuevo sistema de tocar la guitarra.

En 1939, empezada la Segunda Guerra Mundial, el grupo que lideraba junto con Grappelli se disolvió, formando Django una nueva banda junto con el clarinetista Hubert Rostaing. Reinhardt no realizó giras fuera de Francia hasta el fin de la guerra pero ya había grabado con grandes estrellas del jazz americanas de gira por el país galo como Coleman Hawkins o Benny Carter. En su primera gira por Estados Unidos giró junto a Duke Ellington-gran admirador de su obra- y tocó, por fin, en grandes salas.

En los años cincuenta, Django Volvió a Europa, falleciendo de un derrame cerebral en 1953 con tan solo 53 años.

Django Reindhart es hoy por hoy reconocido como uno de los más grandes guitarristas que ha dado el jazz en toda su historia, siendo admirado por artistas como Woody Allen, siendo homenajeado por éste en su película de 1999 Acordes y Desacuerdos.

Ernesto G Almódovar

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DJANGO REINHARDT THE COLLECTION 1

DJANGO REINHARDT THE COLLECTION 2

DJANGO REINHARDT THE COLLECTION 3

DJANGO REINHARDT 150 SONGS

 

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Artículo en Jot Down Magazine
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SUPERELVIS

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 Superelvis (1986-1998)

Superelvis

GÉNERO: Jazz, experimental, punk
PAÍS DE ORIGEN: España
SELLO DISCOGRÁFICO: Por Caridad Producciones, Triquinoise

HISTORIA:

Iconoclastas, raros y chalados son tres de los adjetivos con los que Superelvis se vieron bendecidos en las escasas críticas que su trabajo fue recogiendo a lo largo de su carrera. Decimos que «escasas» porque un corpus artístico tan extenso y fundamental como el del grupo alumbrado en la ciudad de Barcelona, como mínimo debería haber sido investigado con más ahínco que en las entrevistas y reseñas de su obra aparecidas con cuentagotas fundamentalmente en dos sitios: el Ruta 66 y el Rockdelux. Bueno, y en el Noise Club.

Superelvis fue uno de esos proyectos singulares que surgen fieros y llenos de dientes a poco que se escarbe en el underground patrio. Su estilo rezumaba de aristas y etiquetas fundidas entre sí hasta fecundar un amalgama de música muy capaz de causar pasmo en cualquiera poco avezado en el terreno experimental, un pantanoso terreno lleno de adustos escollos que estos heterodoxos investigadores salvaron gracias al sutil humor que llenaba las composiciones, como ocurría con las sucesivas recreaciones de «Lucy In The Sky With Diamonds» o en su imitación de los grandes estilos populares, donde el blues era interpretado de una forma tan irreverente como elogiosa. Sus componentes tocaban de todo y lo tocaban sin prejuicios. Los Superelvis primigenios fueron Anki Toner, un reputado músico con extensa carrera posterior que se marchó antes de que Superelvis se separara, continuando estos como trío instrumental. Sus armas: la armónica, la voz y lo que se terciara. Raymon Aymerich por su parte también era multi-instrumentista: piano, bajo y guitarra, batería y cualquier material susceptible de ser utilizado como elemento percusivo. Y por último, el polifacético Meteo Giráldez, que también tocó en el grupo bajo, viola, acordeón, piano y percusión. En directo y en algunos de los discos posteriores a los dos primeros este núcleo podía aumentar (especialmente con el añadido en 1995 de Gonzalo Costa Monteiro, el cuarto Superelvis, otro genial artista que utilizaba sin problemas piano, acordeón, bajo, guitarra o percusión) hasta convertirse en una orquesta oblicua de siete músicos de la que nunca se podía dilucidar la dirección que tomaría, ya que tanto el concepto de «banda» como los shows en directo eran actos improvisados en su mayor parte. Libertad era una palabra clave en Superelvis.

Superelvis lograron sacar diez discos, entre ellos su muy recomendable debut «Kiss Me When You Dance», el largo «Happiness Is Stupid», donde los músicos conjuran el «menos es más» como el mejor mejunje para crear canciones bellas y tristes o «Structural Package Designs», treinta canciones instrumentales de sesenta segundos cada una, ya sin Anki Toner. Todas ellos son LPs en los que los músicos se vacían. Productos tremendamente emocionales y propios que nadie más sería capaz de crear, a diferencia de las típicas secuelas de cualquier grupo (de rock o de lo que sea) que habitualmente intentan emular éxitos previos.

Como ocurre con los grandes sucesos artísticos, Superelvis murieron jóvenes y dejaron un bonito legado, y aunque cada uno de sus componentes siguieron en el juego intentando expandir las fronteras de la música, nos dejaron huérfanos de la arriesgada propuesta que poco tenía que ver con el devorador de sandwichs de cacahuete más famoso del mundo excepto en (parte de) su nombre.

Por Frog2000

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    • • Kiss Me When You Dance (1991):

      • Wrong Songs (1992):

      • Necessary Lies (1994):

• Happiness Is Stupid (1996)

• Having Fun On Stage (1998)

• Vegetal (1999)

• Structural Package Designs (1999)

• What About Beauty? (1999)

• DEMO Superelvis Fat Corruption

• Resistance Emotional Music

• Porto 18-03-2000

• The Walkman Tapes vol. 0

• The Walkman Tapes vol. 1

• The Walkman Tapes vol. 2

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• Kiss Me When You Dance
• Wrong Songs
• Necessary Lies
• Happiness Is Stupid
• Having Fun On Stage
• Vegetal
• Structural Package Designs
• What About Beauty?
• DEMO Superelvis Fat Corruption
• Resistance Emotional Music
• Porto 18-03-2000
• The Walkman Tapes vol. 0
• The Walkman Tapes vol. 1
• The Walkman Tapes vol. 2

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ANÉCDOTAS:

• En la Web oficial de Anki Toner se puede encontrar mucha más info y música del grupo.
• Superelvis en la Wiki.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

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ARTIE SHAW

[tab name=»BIOGRAFÍA»]

 ARTIE SHAW (1910-2004)Artie Shaw

CLARINETISTA Y DIRECTOR DE ORQUESTA
GÉNERO: Jazz
PAÍS DE ORIGEN: Estados Unidos
SELLO DISCOGRÁFICO: Royale, Epic

HISTORIA: Nacido en Estados Unidos  con el nombre de Arthur Arthawsky a principios del Siglo XX, Artie Shaw aprendió durante su niñez a tocar el clarinete y el saxofón, adoptando tempranamente el nombre de Artie Shaw. Después de probar fortuna en la orquesta de Paul Whitman se retiró un año para probar suerte en el campo de la literatura, pero raudo y veloz volvió a abrazar la que sería la disciplina artística que marcaría su vida, la música. Su primer hit, una versión del «Begin the Beguin» de Cole Porter urdida por su propia orquesta le consigue fama, acrecentándose esta por la incorporación de Billie Holliday en las tareas vocales. El único rival que podía hacerles frente en aquella época era el también celebérrimo Benny Goodman. Aún así, Shaw vuelve a abandonar la música y se muda a Mexico. Después de casarse con «Judy», seudónimo de la bella actriz Lana Turner (famosa por sus papeles en «El Cartero siempre llama dos veces» o «Cautivos del Mal»), el músico vuelve con fuerzas renovadas y obtiene numerosos éxitos, pero además también se presta a formar parte del atípico combo The Grammercy Five. Cuando estalla la Segunda Guerra Mundial se alista en la marina y forma otra orquesta más con la intención de levantar la moral de las tropas. En 1944 se licencia y lidera una nueva formación de jazz «puro» a la que le seguirán decenas de orquestas de renombre que afianzarán el género entre el público mayoritario. Hombre de pensamiento progresista que sufrió encontronazos con el senador McCarthy, su oposición a la segregación racial y sus devaneos amorosos, ampliamente publicitados en la prensa más venenosa, además del hastío que le producía la doble moral americana, le llevaron a mudarse a Begur, en Gerona (España) en 1955 hasta que amainase la época de ultra-correción política. A su vuelta dirigió varias orquestas, se convirtió en productor cinematográfico e incluso escribió un reconocido manual para clarinete, su instrumento predilecto y algunas obras literarias. Murió en 2004 en el mismo estado que le vio nacer a la edad de 94 años.

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  • 280 CANCIONES

  • DADDY G´S BIG BAND COLLECTION

  • ARTIE SHAW AND HIS ORCHESTRA 1951-1954

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  • Begin The Beguine

  • Stardust

  • Frenesi

  • Nightmare

  • Special Delivery Stomp

 

  • Concerto for clarinet

  • Artie Shaw and his Orquestra On The Air, BBC, part 1

  • Artie Shaw and his Orquestra On The Air, BBC, part 2

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XAVIER CUGAT

[tab name=»BIOGRAFÍA»]

Xavier Cugat (1900-1990)

VIOLINISTA Y DIRECTOR DE ORQUESTA
GÉNERO: Jazz, Música latina
PAÍS DE ORIGEN: España
SELLO DISCOGRÁFICO: Columbia, Mercury, RCA

HISTORIA: Nacido en Girona con el nombre de Francisco de Asís Javier Cugat Mingall de Bru y Deulofeu en 1900, sus padres emigraron a Cuba en 1905, donde aprendió a tocar el violín. Posiblemente el músico español de mayor éxito en Estados Unidos, entre 1915 y 1918 se dedicó a tocar tangos en Nueva York, con una banda llamada Los Gigolos. En 1940 grabó Perfidia con el cantante Miguelito Valdés, que se convertiría en un gran éxito. Acostumbrado a tocar mambo y ritmos afrocubanos, su estela sería pronto seguida por otras orquestas como la de Pérez Prado. Estuvo casado en cinco ocasiones, con artistas como Rita Montaner o la mexicana Carmen Castillo. Con Abbe Lane, de la que se divorció en 1964, actuó durante años. En 1970 se casa con Charo Baeza, y juntos inaguran el casino Caesar Palace en Las Vegas, lo que da una idea de la popularidad del personaje en Estados Unidos. Cugat murió a los 90 años de edad en Barcelona, y fue enterrado en Girona.

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Spring Song

Ruth Fernandez, Benny More, Xavier Cugat Y Roberto Ledesma

Xavier Cugat and his Orchestra (20 tracks)

Waldorf-Astoria Orchestra 78rpm Collection

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  • Es popular su imagen sujetando un perro chihuahua, algo que hacía frecuentemente mientras dirigía su orquesta.
  • Era tan conocido que a partir de los años 40 aparece en numerosas películas de la Metro Goldwyn-Mayer, en las que coincidiría con Esther Williams, Jimmy Durante o Ricardo Montalbán.
  • Su mujer Charo Baeza aparecería en Los Simpsons, imposible olvidarla.

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BLIND LEMON JEFFERSON

[tab name=»BIOGRAFÍA»]

Blind Lemon Jefferson (1893-1929)

GUITARRA
GÉNERO: Blues
PAÍS DE ORIGEN: Estados Unidos
SELLO DISCOGRÁFICO: Paramount

HISTORIA:
Nacido como Lemon Henry Jefferson en Texas, el 24 de septiembre de 1893, ciego de nacimiento, de ahí le vino su apelativo de «Blind». Fue un destacado cantante y guitarrista de blues único en su categoría y uno de los más escuchados durante la década de los 20.

Su estilo musical era muy apasionado e individualista, y no tenía nada que ver con el típico blues de Texas de los venideros años 30. Su forma de cantar y tocar la guitarra parecía de manera espontánea y libre. Su irregular registro vocal y su ritmo de canto  evocando a los trabajadores creaban una tensión entre la voz y la guitarra altamente imprevisible.

Empezó a tocar de adolescente en fiestas y comidas en el campo, después pasó a cantar en barberías y en las calles de Texas
Sus primeras actuaciones profesionales tuvieron lugar en Texas, hacia 1911-1912. Se trasladó a Dallas en 1917 donde se hizo popular en entornos difíciles. También estados como Mississippi y Alabama le pudieron conocer en directo.

En 1926 empezó a grabar en Chicago, a donde se había trasladado un año antes. Estuvo grabando para la discográfica Paramount hasta que se cambió a OKeh, se sospecha que por discrepancias en sus honorarios. En esta discográfica hizo sus últimas grabaciones que al mismo tiempo fueron sus hits más famosos «Matchbox Blues» y «The Black Snake Moan».
Falleció el 19 de diciembre de 1929 por culpa de una miocarditis aguda, aunque siempre hubo rumores de otras posibles causas. Paramount Records, la firma discográfica para la que trabajó se hizo cargo de todas las honras fúnebres e hicieron que trasladaran su cuerpo desde Chicago hasta el estado que le vio nacer por tren y le enterraron en el «Wortham Black Cementery» hoy conocido como «Blind Lemon Memorial Cementery» en su honor.
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• Lista de reproducción 1:

• That Crawlin’ Baby Blues:

• Hot Dogs:

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• One Dime Blues.mp3
• Black Snake Moan.mp3
• Broke and Hungry Blues.mp3
• Easy Rider Blues.mp3
• How Long How Long.mp3
• ‘Lectric Chair Blues.mp3
• See That My Grave is Kept Clean.mp3
• Southern Woman Blues.mp3
• That Crawlin Baby Blues.mp3
• Hot dogs.mp3
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ANÉCDOTAS:

• En 2006 salió la película «Black Snake Moan» que lleva su título, según su director, en honor a Blind Lemon. Además en el film aparece un bluesman interpretado por Samuel L. Jackson. Aunque nada tiene que ver el film con la vida del cantante.

• Blind Lemon fue un gran referente en la manera de tocar de B.B. King, según él mismo ha ocnfesado en varias ocasiones.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

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GLENN MILLER

[tab name=»BIOGRAFÍA»]

glenn millerGlenn Miller (1904-1944)

TROMBÓN / VARIOS INSTRUMENTOS DE VIENTO
GÉNERO: Jazz/Swing
PAÍS DE  ORIGEN: Estados Unidos
SELLO DISCOGRÁFICO: RCA Víctor

Historia:  En la historia de la música es muy común que musicos de raza negra creen y desarrollen un estilo musical y luego un blanco, o un grupo de ellos, popularice éste entre el gran publico. Glenn Miller no es una excepción. Los tres grandes nombres de la era Swing, serían Count Basie, de raza negra, Benny Goodman, judio, y el propio Miller. Nacido un 1 de marzo de 1941, en Clarinda, Iowa, Miller empezó a desarrollarse musicalmente pronto, cuando su padre le compró un banjo hasta que empezó a utilizar un corno, su primer instrumento de viento. A la edad de doce años empezó a tocar el trombón y a estudiar las técnica de éste. Debido a su interés por la música, Miller abandonó sus estudios universitarios pasando a la profesionalidad y llegando a compartir escenario con el denominado «Rey del Swing» el anteriormente citado Benny Goodman en la banda del celebre batería Ben Pollack.
En 1927, al llegar la banda a Nueva York, decide dejar la banda para empezar a tocar por su cuenta en clubs hasta casi 1932. En el año 35, el compositor y arreglista britanico Ray Noble le convence para formar una banda, hasta que en 1937 decide crear su propia banda, consiguiendo una gran popularidad con canciones como «Moonlight Serenade», triunfando en todo Estados Unidos gracias a la radio y llegando a ser patrocinado por la marca de cigarrillos «Chesterfield».
En 1937, formó una nueva banda consiguiendo varios nuevos éxitos que le llevarían a sacar varios discos con RCA Víctor siendo varias veces numero 1 en varias listas de música popular.
El rápido ascenso de Glenn Miller estos años sirvió de punto final para una época, creó una música que solo guardaba una relación tangencial con el jazz y el swing. Los solos «hot» que tanta importancia tenían en la música de Goodman, Basie o Ellington nunca fueron importantes en sus composiciones, pero esto era compensado en sus canciones por una habilidad para crear melodías pegadizas que se han quedado grabadas en el cerebro de varias generaciones. Por muchos críticos no es considerado un gran músico de jazz pero sí, un experto en la música popular, donde alcanzó grandes cotas de maestría.

En 1942 se alistó en las Fuerzas Aéreas de los Estados Unidos encargándose de tocar para las fuerzas aliadas desplegadas por Europa. Una vez liberada París le ordenaron girar por varias semanas por algunas ciudades europeas. Así pues, un 15 de diciembre partió del aeródromo de Twinwood (Inglaterra) hacia la capital de Francia para iniciar la gira. El avión se estrelló ese mismo día sobre el Canal de la Mancha. Jamás se encontraron los cadáveres. Su banda siguió tocando sin él hasta el final de la guerra, siendo Miller el único miembro que no sobrevivió a la segunda contienda mundial.
En 1992 se puso una lápida en el Cementerio Nacional de Arlington, lugar destinado solo a los caídos en guerra y a los ex-presidentes de Estados Unidos.
El que su cuerpo nunca fuera encontrado ha hecho que hayan surgido varias teorías sobre su muerte, entre ellas que fue capturado, torturado y ejecutado por la Gestapo para luego ser abandonado en un burdel en París. Probablemente nunca sabremos la verdad.

By Ernesto G Almódovar

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Glenn Miller Orchestra-131-137

Glenn Miller Orchestra -21-30

Glenn Miller Story (101 tracks)

Glenn Miller´s Army Air Force Band (71 tracks)

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  • En 1953 Anthony Mann rodó una película sobre su vida titulada «The Glenn Miller History» protagonizada por James Stewart.

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SCOTT JOPLIN

[tab name=»BIOGRAFÍA»]

scott joplinScott Joplin (1868-1917)

PIANISTA
GÉNERO: Jazz/Ragtime
PAÍS DE ORIGEN: Estados Unidos
SELLO DISCOGRÁFICO: John Stark & Son

HISTORIA: Pianista y compositor estadounidense, vital para el desarrollo del ragtime clásico, y por supuesto del jazz. ¿Pero qué es el ragtime? Podríamos decir que, junto con el blues, fueron músicas predecesoras de lo que hoy conocemos como jazz, siendo el estilo que nos ocupa más influyente incluso que el genero que se destilaba en el Delta del Misisispi.

Las primeras composiciones de ragtime aparecen ya impresas en la primera mitad del siglo XIX y quizá la primera de estas obras sea «Mississippi Rag» compuesta por William Krell.

Scott Joplin probablemente sea el más grande de estos compositores. Joplin nació en Texarkana (Texas) un 24 de noviembre de 1868. Su padre, un antiguo esclavo que había tocado el violín, abandonó a su madre y a él cuando Scott era muy joven. Muchas veces al acompañar a su madre a las casas donde ella ejercía como asistenta, éste improvisaba con el piano de los dueños de la casa. En su adolescencia empezó a crearse una reputación como pianista tocando en clubes e iglesias. En algún momento a mediados de los ochenta, Joplin se trasladaría a St. Louis, donde empezó a ganarse la vida como instrumentista.
Más o menos en 1897, escribió el «Maple Leaf Rag» quizá la pieza ragtime más famosa de su tiempo. En su primer año solo se vendieron cuatrocientos ejemplares, pero tres años después el tema se convertiría en un éxito y terminó siendo la primera partitura de la historia en vender más de un millón de ejemplares, aprovechándose del incremento de la venta de pianos en esos tiempos (en 1909 se llegarían a vender 350.000 pianos al año)

Joplin siempre intentó superar lo que para él eran los estrechos limites de la música rag, llegando a afirmar que para él escribir este tipo de música era un pasatiempo y que deseaba tareas más estimulantes. Su obra más destacada, el trabajo de sus más altas aspiraciones fue la opera «Treemonisha» ya con muy poco ragtime en ella. «Treemonisha» es un viaje por la música negra previa al rag. La partitura de doscientas treinta páginas para piano y creada para once voces solo llegó a ser interpretada una vez en 1915. Fue un absoluto fracaso.
Un año después, un frío otoño, Scott Joplin ingresó en un hospital de Manhattan. Falleció el 1 de abril de 1917 a causa de una demencia acaecida por la sífilis. Tenía 48 años.

La figura de Joplin fue prácticamente ignorada en las siguientes décadas pero en los años setenta un revival del ragtime hizo que su música transcendiera al estudio de críticos y especialistas en música negra para que su figura entrase en el imaginario popular por la puerta grande. Una pieza suya, «The Entertainer» utilizada en la película «El Golpe» (protagonizada por Paul Newman y Robert Redford) llegó a ganar el Oscar a mejor banda sonora, siendo su tema, incluso, numero 3 en la lista Billboard. No obstante, y de esto podemos estar seguros de lo que más orgulloso hubiera estado Scott Joplin, es del reestreno y grabación de «Treemonisha», 70 años después del fiasco que supuso su primera-y única-representación. En 1976 se le concedió el premio Pulitzer de forma postuma por su contribución a la cultura afroamericana. Sus canciones y obras a día de hoy, siguen siendo recordadas e interpretadas.

 Ernesto G Almodóvar
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WEEPING WILLOW RAG´S

THE ENTERTAINER

MAPLE LEAF RAG

SCOTT JOPILN RAGTIME (3 tracks)

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PARTITURAS

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